《花与爱丽丝》是由Rockwell Eyes制作、东宝发行的135分钟的青春喜剧影片。该片由岩井俊二自编自导，铃木杏、苍井优、郭智博、广末凉子、阿部宽等主演，于2004年3月13日在日本上映。
该片讲述了两名中学少女在走过她们心绪摇曳的思春期时，所发生的既可爱又稍具可怕意味的奇妙三角恋爱故事。

英文简介：

When two best friends develop a crush on the same boy, they develop a plan to trick him into dating them.（详细剧情）
[toggle title=机器翻译，仅供参考]
当两个最好的朋友爱上同一个男孩时，他们会想出一个计划，诱使他和他们约会。
[/toggle]

获奖记录：

2004年日本电影专业大奖最佳女主角

剧照欣赏：

1 的 6

电影故事：

少女花与爱丽丝是一对亲密好友，两人性格迥异，爱丽丝活泼好动，见爱就追，花则天性害羞，甚至不敢同喜欢的男生讲话。每天陪着好友爱丽丝追逐和尾随她一见钟情的男生时，花也喜欢上了经常与那男生结伴同行的宫本。不久，她们一同考上了向往已久的高校。花想方设法地加入相声社团，希望能离爱慕的学长宫本更近一点。某天，宫本正痴迷于相声剧本，不巧撞上铁门出现短暂失忆。恰逢此时，花急中生智不曾多想，对刚醒来的宫本撒了一个不算严重但祸害无穷的谎：“我是你的女朋友，是你曾表白过的女生。”自此，两人开始谈起了伪恋爱，随着谎言越来越多，越无法收场，花只好把爱丽丝拉扯进来并称爱丽丝是宫本的前女友。花一手编剧的剧情似乎并不能按照她的意愿发展，而是向着有趣的方向而去。

权威点评：

影片的风格依旧细致唯美，导演岩井俊二依旧对人物的纤细感受及充满透明感觉的纯净影像把控的十分到位。题材设置上，以两名少女与一名少年之间的三角恋情展开描绘，本无新意，但因“记忆丧失”这个小环节，使得情节得以巧妙的发展。两个女孩在经历着荒唐谬误的三角恋情过程中，渐渐变得互相体谅、变得成熟，她们之间的友谊也更加坚不可摧。而情感的部分则是朦胧而来，朦胧而去。一开始就注定没有结果的恋情简直让人怀疑这能否称得上“爱”。不过这也最为接近青春期的爱情体验——短暂、易碎，而又让人回味。

幕后花絮：

• 《花与爱丽丝》是在很特别的情况下制作的。一开始只是准备拍部短片，但导演突然想到“记忆丧失”这个主意，然后就写了个剧本拍出了电影。
• 在选角方面，一开始并没有想到要找苍井优，后来收到她的演员履历表，发现这个女孩不但会演戏，竟然还会跳芭蕾，有点深奥。后来召开新闻发布会，私底下她会告诉导演哪个记者戴着假头套。
• 最开始写的剧本其实是《花与爱丽丝杀人事件》，导演希望能够把这个故事也拍出来。因为剧本写完的那天，摄影师筱田升正好去世。
• 《花与爱丽丝》原先是在互联网上播出的系列短篇，分别由三个独立又具关联的短章。不久后，岩井导演将之融合加工，将三个部分一并串联和汇总，升级成为统一而饱满的一个2小时15分的影院作品。

幕后制作：

题材主题
该片在题材设置上，选择对两少女与一名少年之间的三角恋情进行描绘，本身可说并无新意。但是对于岩井俊二将故事的关键词设定在“记忆丧失”这个小环节之上，这样便使得情节有了“完全预测不可能”的意外展开。
这是一部关于成长的影片。对少女们青春漫无自觉的日子，用一种近似滑稽的风格和略具神秘感的手法进行了细致的表现，同时，以“记忆丧失”为开端的无厘头情节。
这部影片作为一部爱情剧，其特殊之处在于少女花所杜撰和虚构的爱情故事，本身在开始的最初，就已经打上了休止符的烙印——谎言不知何时便会被拆穿，爱情会走得如同来的那么轻易，轻灵飘忽到随时就可以嘎然而止。
画面风格
岩井俊二的电影风格一直趋于细致唯美，登场人物所传达的纤细感受性，以及充溢透明感觉的纯净影像，都能触及到观者心灵最深处最柔弱的那根心弦，在《花与爱丽丝》中同样，轻灵柔和的映像仿佛拘起少女之心的花瓣，将那心拍里最细微曼妙的跃动，也一一捕捉呈现在视觉之上。令人印象深刻的秀逸画面，是花与爱丽丝在雨中的一场，雨水淋在头顶，打湿了少女的制服头发与眼睛，也打湿了少女萌动的迷情。

影片评价：

《花与爱丽丝》触碰到了人人都经历过的青春期的情感。导演岩井是伟大的商人，青春在他的手里是最紧俏的商品，比情色和杀戮更为畅销。逝去的永远是不朽的，他懂得用各种手段将青春包装得美轮美奂。岩井的电影风格永远那样细腻唯美，在他影片中的主人公往往纤细敏感，具有透明而纯真的原始质朴，哪怕最邪恶的人都能被他朦胧的诗般故事撩动脆弱的心弦。
两个女孩在经历着荒唐谬误的三角恋情过程中，渐渐变得互相体谅、变得成熟，她们之间的友谊也更加坚不可摧。少女编织的恋情从一开始就注定没有结果，爱情朦胧而来并朦胧着离开，甚至让人怀疑那是否是爱。但就是这种混沌的感觉才最为真实，最为接近青春期的爱情体验——短暂、易碎，而又让人回味。剧中的主人公花与爱丽丝，二人清纯秀美的外表和青涩的表演保证了影片的感人指数。
电影延续了岩井作品一贯的青春主题和唯美清爽的感觉，不过《花与爱丽丝》中少了些许幽怨的惆怅，多了一丝对青春的歌颂和友情的珍惜，也算是一次小突破。（新浪网评）

《纵横四海》是吴宇森执导的枪战片，由周润发、张国荣、钟楚红主演，于1991年2月2日在中国香港上映。
该片讲述了阿海、阿占和红豆在养父的安排下盗得一幅名画，之后三人因被人设下陷阱追杀而失散的故事。1991年，该片以3339万港币的票房位列香港年度票房排行榜第4名。

电影看点：

香港浪漫主义警匪动作片的巅峰之作

获奖情况：

第11届香港电影金像奖 最佳电影(提名)
第11届香港电影金像奖 最佳导演(提名) 吴宇森
第11届香港电影金像奖 最佳男主角(提名) 周润发
第11届香港电影金像奖 最佳剪接(提名) 胡大为

英文简介：

A romantic and action packed story of three best friends, a group of high end art thieves, who come into trouble when a love-triangle forms between them.
[toggle title=谷歌翻译，仅供参考]
这是一个浪漫而充满行动的故事，讲述了三个最好的朋友，一群高端的艺术窃贼，当他们之间形成三角恋时，他们陷入了困境。
[/toggle]

剧照欣赏：

1 的 3

幕后制作：

拍摄此片前吴宇森导演正是对枪战片心灰意冷的时候，他刚执导完的《喋血双雄》遭遇票房和影评的双向打击。也正是这个时候，周润发找了张国荣一起来说服吴执导此片，不仅许诺此片非吴不演，而且只要吴执导此片，薪酬待遇等等一切都可以好商量，更联手请来了他们的好搭档钟楚红。

媒体评价：

《纵横四海》于1991年上映时叫好又叫座，是神偷类型的经典电影。《纵横四海》是吴宇森枪战片中最浪漫的一部作品。影片天马行空，华光溢彩，不仅画面具有强烈的观赏性，故事述说更具有丰富的层次感。除了精彩的枪战和对峙场面外，对男女感情的描写也显得很细腻。周润发、张国荣、钟楚红的明星魅力在片中挥洒自如，让人过目难忘 。
在香港商业电影中，《纵横四海》堪称是一部品质优异的示范作。导演吴宇森为影片在枪战主旋律中注入了喜剧和浪漫的元素。《纵横四海》风格多样却又有效地掺揉，拍手称赞的街头枪战、紧张不堪地对峙场面、目不转移地激情之舞、细腻动人的感情描写、让人会心一笑地精彩对白都是这部电影的亮点。
做为吴宇森的又一招牌作品，影片显得从容与潇洒。吴宇森在赋予三个主要人物以火爆的动作场面和不俗的身手外，还给予他们细腻的感情世界。一女两男的关系，从一开始就注定不会永远稳固。由此产生的友情破裂显得非常能让人理解。《纵横四海》所表达的是流动的美，无论是偷宝窃画，还是周润发轮椅上的华尔兹，抑或所有对打场面，都充满了运动的美感。而这恰恰也是吴宇森的优势，人物的运动，剪切的运动，镜头的运动。这些艺术语言所营造的美感，给观众感观带来的愉悦远远优于五个江湖大贼爱恨情仇的情节。（新浪评）

影史钩沉：

吴宇森最初选择拍这部[纵横四海]，因为他想在[喋血双雄](1989)和[喋血街头](1990)之后，尝试一些更轻松的类型。诚然这个策略已经得到了回报，这部片最终在香港大获成功，甚至让吴宇森的下一部电影[辣手神探]也得到了投资(1992)。 ​​​​（《看电影》杂志）

图书摘录：

吴宇森赴美前拍摄的作品中，以本片的包装最具国际品味。透过周润发、张国荣和钟楚红这三名青梅竹马的神偷到巴黎盗取名画的故事，导演肆意挥霍了他的浪漫情怀，和阳刚暴力美学之外的幽默雅趣。当然，他们被义父曾出卖的压轴戏依旧保持了吴氏招牌式的潇洒枪战场面。（周黎明《西片碟中碟》）

《伴我同行》是改编自史蒂芬·金小说《尸体》，罗伯·雷恩执导，Wil Wheaton等主演的剧情片。
故事发生在五十年代的美国俄勒冈小镇，四个一心成英雄的少年，当年戈登和三个死党好友——柯里、泰迪、费恩，离城镇去寻找一具小男孩的尸体，以便上电台电视出风头，他们家庭各有问题，因此在彼此的身上寻到安全感和肯定，他们躲过狼犬追逐，在铁桥上进退两难，险遭撞死，陷入布满吸血虫的森林沼泽。 在寻找的途中，他们学到了谨守原则的可贵，也学到了尊重生命。
本片获1987年金球奖最佳电影、最佳导演提名，1987年奥斯卡奖最佳编剧提名。

获奖情况：

第59届奥斯卡金像奖 最佳改编剧本(提名) 布鲁斯·A·埃文斯 / 雷纳尔多·吉迪恩
第44届美国电影电视金球奖(提名) 最佳剧情片（电影类
第44届美国电影电视金球奖(提名) 最佳导演（电影类）罗伯·莱纳
美国独立精神奖 获奖
美国国家评论协会奖(提名) 十佳电影

英文简介：

After the death of one of his friends, a writer recounts a boyhood journey with his friends to find the body of a missing boy.
[toggle title=谷歌翻译，仅供参考]
在他的一个朋友死后，一位作家讲述了他和朋友们寻找失踪男孩尸体的童年旅程。
[/toggle]

剧照欣赏：

1 的 4

最火台词：

[last lines]

The Writer: [typing on computer] I never had any friends later on like the ones I had when I was twelve. Jesus, does anyone?

（全部台词）

影史钩沉：

• 在拍摄[ 伴我同行 ]中篝火的那场戏时，导演罗伯·莱纳相信瑞凡·菲尼克斯能够做得更好。于是便让瑞凡在片场练习，让他试想在自己的生活中被大人们抛弃是什么感觉。瑞凡照做了，并且在片场十分难过地哭泣。在练习结束后导演还去安慰了他，最后这场练习被用到了成片之中。
• 据基弗·萨瑟兰说，当年他与瑞凡·菲尼克斯、 杰瑞·奥康奈尔、威尔·惠顿几人拍摄[伴我同行]时，拍摄地曾经有文艺复兴节市集，剧组人员都去参加了，他们几个还在集市上买了饼干——回来后发现，那是大麻饼干。两小时后，奥康奈尔就嗨地又哭又笑了。 ​​​​
• 瑞凡·菲尼克斯在拍摄[伴我同行]的篝火场景时，失落的情绪不是很到位。于是导演罗伯·莱纳就让他想想，曾在现实中经历过的一个成年人让他很失望的时刻，然后将这种情绪用到电影中。菲尼克斯做到了，不仅如此，他沮丧地大哭不止，后来导演都不得不来安慰。
• 1986年罗伯·莱纳的[伴我同行]全部杀青，唯缺一首点睛的片尾曲。既然片名是“Stand By Me”，莱纳自然想到了本·E·金的那首同名名曲。可他并不想直接借用，而是找到了迈克尔·杰克逊，请其翻唱。然而，杰克逊的版本动感十足，伤感不足。莱纳当即拍板，还是采纳原版。事实证明，他没有选错。 ​​​​

（《看电影》杂志）

获奖记录：

1987年金球奖最佳电影、最佳导演提名，1987年奥斯卡奖最佳编剧提名。

幕后花絮：

·为了给泰迪找到一种标志性的笑声，克里·菲尔德曼和导演罗伯·雷恩一共试验了30种不同的方法。最后的笑声恰巧与斯蒂芬·金小说中的描绘相似。
·印在一本老式电影杂志封面上的女郎是伊丽莎白·麦凯文，她当时已经与该片导演罗伯·雷恩订婚。
·在电影拍摄间隙，基弗·萨瑟兰为了保持角色状态，常常捉弄其他几位小演员。
·这部电影是根据斯蒂芬·金的短篇小说《尸体》改编的，这部小说被收在他的短篇小说集《不同的季节》中，这部集子同样包括了小说《肖申克的救赎》和《纳粹高徒》，后来，这两篇小说被改编成电影《肖申克的救赎》和《纳粹追凶》。
·在罗伯·雷恩的坚持下，影片中男孩儿们吸的烟均由白菜叶制成。
·另一位值得一提的男主人公是片中“作家”一角。理查德·德莱福斯接受角色后，重拍了一些已经拍摄过的场景。
·罗伯·雷恩曾在确定“作家”一角时陷入了麻烦，开始时定下的演员是大卫·杜克斯，后来他才决定由自己高中时代的朋友理查德·德莱福斯饰演。
·这部电影是杰里·奥康纳的影坛处女作。
·起初，阿德里安·莱恩被指定为该影片的导演，但由于和自己指导的电影《爱你九周半》撞车，不得已将《站在我这边》转予罗伯·雷恩 。
·在日本任天堂经典游戏《口袋妖怪》赤·绿·蓝·黄以及重录版叶绿·火红中，主人公家里的电视所播放的电影，内容其实是该片。“电视上播放着电影！有四个男孩子，在轨道上行走着……我也该走了”

穿帮镜头：

·在沼泽里泡过之后，泰迪的头发每一个镜头都改变一次。
·被火车追赶时，天空变暗，之后又由多云转晴。
·当戈帝看报纸上的文章时，开始文章的第一段是关于伤人事件的，但是第二段很明显来自另一个故事。
·影片结尾出现的抽水泵是不存在的，那种样式直到20世纪八十年代才出现。
·20世纪八十年代的汽车明显的出现在作为旧货市场的背景上。
·当泰迪和克瑞斯在铁路旁争吵时，从泰迪的眼镜中可以看到拍摄用的三脚架。
·戈帝进入一家商店，店主与他交谈时，你可以清晰地听到麦克风轰轰作响，然后就消失了。
·商店店主从一个印有20世纪八十年代官方商标的盒子里抽出一张纸。
·艾斯的汽车装有蓝色玻璃窗，这种样式在20世纪80年代才出现。
·泰迪穿的军靴在1959年是不可能有的。
·男孩儿们从水蛭池中逃脱后，他们的衣服马上就干了。

幕后制作：

【关于电影】
四个年轻的孩子，勤学认真的戈帝，粗鲁顽强的克瑞斯，滑稽可笑的泰迪，还有敏感懦弱的韦恩，决定沿着铁路走进森林，寻找一具尸体。旅程的开端是愉快的，按照韦恩的说法“确实是爽呆了！”但是，随着旅行深入，几个孩子内心脆弱的一面逐渐浮现，随之而来的便是惊恐和慌乱，看来，长大确实不是一件容易的事情。
“大部分关于孩子的故事，好的故事，都涉及到了旅行，”史蒂芬·金说，“就像《站在我身边》中的铁路之旅一样。”大部分斯蒂芬·金的故事，尤其是有孩子卷入的故事，一般都是关于这些脆弱的心灵如何长大，或者是幼年阴影对成年生活造成的糟糕影响。斯蒂芬金的故事是黑暗的，并不令人愉快，雷恩保留了这一点，他在电影中严厉控诉了成年人对孩子的漠不关心和孩子们不得不承担成人责任的事实。“你只是个孩子，戈帝。”克瑞斯告诉他的朋友，然而，对他们来说，回家不再是一个温暖的概念——这是每个孩子都向往的。
某种程度上来讲，几个孩子对成人世界复杂性的意识是这部电影的核心。在电影中，四个孩子都真实经历了这种情感上的阵痛。对戈帝来说，这可能显得尤为真实，许多年之后，他回首往事，意识到这是他人生中最重要的一课：他从他的朋友身上获得了力量，体验到了同样的痛苦。电影并没有对这几个孩子施以怜悯，相反，雷恩让他们直接去面对这些痛苦，决不陷入廉价的感伤。雷恩很熟悉这几个孩子的特性，明白他们的困惑。比如戈帝，他忍受着父母的漠视，这种漠视来自与父母对哥哥死亡事件的无力。克瑞斯情况类似，他是一个坚强的家伙，来自一个饱受威权控制的糟糕家庭。尽管他把偷的钱还给了老师，但是还是不得不背负偷盗的恶名，这一切，都是家庭给他造成的毁灭性打击。
当克瑞斯向戈帝忏悔时，电影叙述静静发生了转变：克瑞斯崩溃了，而戈帝，这个更情绪化的角色竟然变得冷静起来。这是真是令人痛苦的一幕。雷恩说：“这里融入了我自己的经验。”他把自己对斯蒂芬·金小说的理解和个人经验融合起来，把戈帝塑造成了电影中的英雄，这和小说的原意稍有不同，在小说中戈帝只是一个旁观者，是一个悲惨的英雄。
雷恩曾经说过，这是一部关于孩子的电影，孩子自我感觉不好，但是又无法从父母那里获得认同，于是他们不得不转向朋友寻求安慰。这种安慰是非常重要，因为看到戈帝在电影的结尾平静的样子，所有人都会为他感到高兴，毕竟，他刚刚经历了人生中最重要的一课。
【关于导演】
罗伯·雷恩1947年出生于纽约，父亲是鼎鼎大名的卡尔·雷恩，拍摄了许多喜剧故事片，最著名的当属《宝贝母子》和《大笨蛋》。罗伯·雷恩的事业起步于演员，他最著名的角色是美国肥皂剧《全家福》中的迈克尔，迈克尔是一个不太光彩的傻瓜和种族主义者。因此，从一开始，雷恩的导演之路就与众不同：他对演员很好，同时对表演很在意；他对喜剧和讽刺理解很深，对作品的时间与结构把握也很好；他有很强的自由主义和人文主义倾向。
作为一个喜剧演员，雷恩获得了很精细的观察能力，但是消极影响同样不可避免：他的作品似乎一直摆脱不了模仿的痕迹。这意味着，不管他的电影多么的成功，他也不能被列入艺术家的行列。但是，雷恩的诚恳是显而易见的，他并不回避自己的模仿和缺少自我意识，而是真心诚意地要为观众讲好故事。很有可能，雷恩未来不可能成为像伍迪·艾伦，大卫·芬奇那样伟大的导演，但是，这丝毫不影响普通观众对他的热爱，因为他足够谦虚，足够诚恳。
【电影关键词】
·寻尸：不只是四个孩子还有一群年龄更大的混混，把“寻尸”视为一种英雄行为，一种获得社会承认的行为，这意味这他们都需要摆脱某种困境。
·铁路和森林：充满未知危险的旅程，不过，把他们看作孩子们内心的疏离和反抗似乎更合适，每个孩子似乎都有过同样的出走冲动。
·哥哥：对于戈帝来说，他的哥哥才是他的父亲，才是能够倾听他诉说的密友。他的父母只是一面冰冷的墙，一直都是，不管在戈帝的哥哥死前还是死后。如果戈帝的哥哥也是一面墙的话会怎么样？很难想象，不过这肯定会是一部更为恐怖的电影。
·哭泣：电影中的“哭泣”是非常重要的线索，整部电影中四个男孩都在某个时间哭了出来。首先，“哭泣”意味着这些男孩陷入了某种困境，并且不愿长大和进入另一个世界。“哭泣”还意味这几个男孩都因为某种外在的原因被“拒绝”，不管是家庭还是社会，总之，他们感到孤独和绝望。
·吃Pie大赛：很奇怪的报复方式，对于观众来说，这很可能具有某种超现实主义色彩，但对于孩子来说，这是真实的。面对压倒性的外部世界的侮辱，作为弱者的孩子不可能按照成人规则做出反击，只能用“呕吐”对他们来说最有效的方式展开对抗。

影片评价：

罗伯·雷恩的《站在我这边》是他最为流行的电影之一。
——DVD评论
《站在我这边》，青春期边缘几个孩子苦乐参半的故事。
——大不列颠电影评论
《站在我这边》是关于几个身处逆境的孩子如何获得力量的电影，不管是过了10年，还是20年，它依旧动人。
——流行元素
不能说《站在我这边》很完美，但是整整一个夏天，我看了30遍竟然没有厌烦。
——电影评论

图书摘录：

改编自当今美国文坛最著名的恐怖小说作家史蒂芬·金的《尸体》(The body)。故事发生在五十年代的美国俄勒冈小镇，当年哥狄和三个死党好友—克里斯、泰迪、樊恩，一起去寻找一具小男孩的尸体，以便上电台电视出风头，在寻找的途中，他们学到了谨守原则的可贵，也学到了尊重生命。（周黎明《西片碟中碟》）

《奔腾年代》是由加里·罗斯执导， 托比·马奎尔、杰夫·布里吉斯、 克里斯·库柏等主演的励志电影。
影片讲述三个生活和事业上的失败者偶然相聚，训练一匹看上去也很失败的矮个跛腿小马参加赛马比赛的故事。
该片于2003年7月22日在美国上映。

电影看点：

小矮马恰逢伯乐变神驹

获奖情况：

第76届奥斯卡金像奖 最佳影片(提名) 凯瑟琳·肯尼迪 / 盖瑞·罗斯 / 弗兰克·马歇尔
第76届奥斯卡金像奖 最佳改编剧本(提名) 盖瑞·罗斯
第61届金球奖 电影类 最佳剧情片(提名)
第28届日本电影学院奖 最佳外语片(提名)
第29届报知映画赏 海外作品奖 盖瑞·罗斯

英文简介：

True story of the undersized Depression-era racehorse whose victories lifted not only the spirits of the team behind it but also those of their nation.
[toggle title=谷歌翻译，仅供参考]
大萧条时期的赛马的真实故事，它的胜利不仅鼓舞了背后的团队精神，也鼓舞了他们国家的精神。
[/toggle]

媒体评价：

全片围绕四位主角展开故事，剧情的冲突与缓和、四位主角各自故事线冲突点的埋设与整部影片剧情走向的相辅相成、全片气氛的把握等等，均可看出此片编剧的良苦用心。《奔腾年代》的一大特点再于，它抛弃了以往立志影片所喜好使用的紧张感、压迫感，例如使观众对主角的遭遇忧心重重，提着心，吊着胆，擦着汗，即使明知道最后的结果是光明灿烂前途无量，也无法缓解结果之前的神经质式的紧张万分，对于此种观影感受，我想所有看过立志片的观众都是有所体会的。《奔腾年代》很好的解决了这个问题，在观看影片的全部过程中，似乎我全没了那种紧张的感觉，代之以畅快淋漓的对于奋斗与希望的快感。
《奔腾年代》中剧情所设置的成功环节，显然比其它励志影片要来的多出许多，这又是它能够始终带给人以快感体验的另一个重要原因。一场场比赛的胜利，一次次急速的奔驰，这种极具杀伤力的设置，绝对会对观者产生巨大的冲击，然而它又决不是靠简单的一个个成功与胜利来翻滚前进的，困惑、失败、沮丧、懊悔，等等这些立志影片所必不可少的要素又被创作者巧妙的安排进环环相扣的成功与胜利当中，令观者同故事中的人物一样，体味着生活的不确定性与偶然性，或许此种观看的感受比单纯的领略奋斗与挣扎的苦难更显的大气而厚重，这也令《奔腾年代》这部影片沉稳了许多。
全片所设定的四位主角，也各具特色，决没有任何重复的地方。四位不同遭遇不同处境的主角，因为不同的原因而早到一起，虽然他们所要面对的困境不同，但他们选择了同样的方式去改变现状，或许影片想要告诉人们，不论于情感的失落还是心灵的迷失，唯一可以重拾希望的方法便是不懈的努力与奋斗。
全片的剧情衔接也非常有特点，通过黑白影像的过度，很好的解决了由于线路过多可能导致的拖泥带水的感觉，一环紧抓着一环，完全配合了全片的整体风格，——快感与速度的体验。
《奔腾年代》也有着显而易见的缺点，例如其煽情的套路依然古老，甚至还有些拙劣，美国式的欢喜大结局依然无法避免，等等，但瑕不蔽玉，作为一部立志影片，它几乎可以说是几近完美的完成了任务。况且其始终充斥着的快感体验，加上足以另人热血沸腾的急速奔驰，都极具杀伤力。至少对于笔者而言，此杀伤力非常巨大。 （南方网评）

幕后花絮：

1、故事根据劳拉·希伦布兰的畅销书《海洋饼干：一个美国传奇》改编。这匹马的故事在1949年曾被改编成电影，由秀兰·邓波尔主演。
2、本片正式拍摄于2002年10月15日在洛杉矶开始，不过有很多镜头已经在2002年夏天在全国各个赛马场完成，其中包括海洋饼干当年在加州的主场。影片预算8000万美元，其中包括为了影片拍摄而购买50匹马的费用。
3、加里·斯蒂文和克里斯·迈克卡伦都是著名的职业赛马骑师，两个人都曾经在肯塔基州赛马会和布里德杯赛马比赛中获得冠军。在接受角色查尔斯·库尔特辛格的数月之前，迈克卡伦就已经退休了。
4、电影的DVD版本售出五百五十万美元，这是剧情类影片的最高记录。
5、在圣塔安妮塔跑道，马厩旁边有个马的雕像，这就是为了纪念曾经生活在圣塔安妮塔的海洋饼干而建造的。大约100码开外还立着另一个雕像，这是为了纪念乔治·沃尔芙，即电影中加里·斯蒂文扮演的角色。
6、海洋饼干的作者劳拉·希伦布兰，她的男友波登·弗拉纳根在影片中扮演了农场主。
7、为了拍好这部专业性很强的影片，包括托比·马奎尔在内的许多演员，都接受了为期几个月的严格训练。此外，为了能更好的表现赛马场面，剧组还同时遴选了60多匹宝马进行了5个多月的训练。
8、为了在赛道上的马群中取景，导演加里·罗斯使用了特制的机动摄影平台，大小为12×20英尺的平台刚好与赛马同高，并装有454 Chevy引擎，可以40-50英里时速在轨道上行进。
9、片中赛马“War Admiral”由真实原型的后代“Verboom”扮演。
10、影片并没有解释为何在“海洋饼干”同“War Admiral”的争霸赛中没用起跑门栅，而真正的原因是“War Admiral”非常讨厌起跑门栅。
11、1996年，在片中扮演乔治·伍尔夫的加里·史蒂文斯曾被授予George Woolf Memorial Jockey Award。
12、影片将“War Admiral”描写为一匹高头大马，但实际上，它与“海洋饼干”身高相同。

幕后制作：

创作背景
加里·罗斯从童年便开始迷恋赛马运动，他甚至曾要求父母在赛马场的赛道上为自己举行成人礼。他同身为执行制片人的妻子艾莉森·托马斯是赛马场的常客。两人后来在名为《美国传统》的刊物上发现了劳拉·希伦布兰德的一篇文章《Four Good Legs Between Us》。小说面世之后，一场激烈的拍摄权争夺战也随之爆发，罗斯决定同希伦布兰德取得联系。
罗斯与希伦布兰德在电话中畅谈了两个小时，赛马是两人共同的兴趣，罗斯特别提及了他眼中的传奇、1973年三冠王赛马“Secretariat”。希伦布兰德当然感知到了罗斯对赛马的热情，更重要的是，她认为他们钟爱这个故事的原因是相同的。她解释说：“我的很多读者都说，他们从未看过赛马，也不喜欢马，但却被我的故事深深打动。我想那是因为故事中的人物，这正是我的焦点所在，也是我在小说封面用人物的面孔取代赛马马头的原因。”
希伦布兰德深知，作为一名作家，自己只能讲述故事，却不能将故事呈现在世人眼前。通过与加里·罗斯的交谈，希伦布兰德认为他是为影片掌舵的唯一人选。改编希伦布兰德的小说的挑战是艰巨的，这意味着将艰难的选择取舍，加里·罗斯必须对长达400页的小说进行浓缩。在他看来，故事中三个男主人公战胜困苦鼓足勇气去共同奋斗的部分是最值得关注的。“波拉德失去了家庭，霍华德失去了儿子，史密斯失去了生活方式，”罗斯说，“他们都已经支离破碎，本可以放弃，但他们却互相扶助，组建了一个独特的家庭。”
“任何一个优秀的改编剧本都必须忠于原著的精神，”罗斯说，“我虽然改变了一些细节，增加了一些虚构成分，但我抓住了故事的精髓和小说的意图。劳拉是个伟大的合作者，她很开放，我的每个改动都会争得她的同意。”
拍摄过程
因为要捕捉赛马场上的精彩时刻，所以导演加里·罗斯从很早就意识到，摄影机必须同赛马一起移动，必须尽可能的缩小摄影机与赛马之间的距离。为本片掌镜的摄影师不仅要甘于冒险，还要敢于创新。
赛马场景的拍摄可想而知，重拍是不可避免的。摄制组不仅要让赛马围绕赛道奔跑，还要保持一定顺序。因为影片中的每场比赛都有记载，所以每场比赛的细节都很重要，场景的设计必须尽量接近史实。执行制片人艾莉森·托马斯说：“赛马是一种很特别的动物，它们以高度紧张和难以预料闻名，除了价值数百万美元的设备之外，我们必须保证骑手和演职人员的安全。”
虽然制片方买下的赛马都没有希望成为三冠王，但它们的速度仍是惊人的，即使速度最慢的马也只不过会与头马相差三个马身的距离。在拍摄前，每名骑手都要清楚自己和赛马的位置，在拍摄中，他们通过无线接收器来听取麦克卡龙的指示。
除了拍摄比赛场面的全景之外，导演罗斯还要选取骑手的视角，捕捉比赛中的每一个微妙细节，于是需要运用大量特写和中景镜头，而当时重达1200磅的赛马正以40英里的时速飞奔，取景难度不可小觑。经过主创人员的精心策划，一部由电脑绘制的二维拍摄手册应运而生，手册中详细标注出每场比赛的每个镜头中摄影机、赛马和骑手的具体位置，包括摄影师、特技人、骑手和助理导演在内的每一名剧组成员都得到了各自分工。
在选取拍摄地点方面，制片方决定物色现存的合适场所，以避免在建筑工程上耗费大量资金和时间。剧组先是在加州Hemet的一座具有百年历史的畜牧场取景，随后赴波莫纳(Pomona)拍摄了Fairplex赛马场的赛道、正面看台和后院。另外，剧组还在距洛杉矶14英里的圣塔安妮塔赛马场完成了一些重要的比赛场景。

图书摘录：

本片的几个主人公都是挣扎在30时代的小人物。查尔斯·霍华德原本是个成功的商人，但中年丧子的不幸粉碎了他的家庭;瑞德·波拉德的梦想是做个一流的骑师，无奈迫于生计，只得在地下拳赛中和人搏斗;汤姆史密斯是个善于相马和驯马的伯乐，却无人赏识，郁郁不得志。三个窘迫男人的命运因为一匹名叫“硬饼干”的老赛马而出现转机。硬饼干身材矮小，腿也不太灵便，被人当作残次品弃之一旁，然而它不服输的天性与顽强的斗志却没有因此泯灭。三个新主人成功唤醒了它的潜能，让它在比赛中大放异彩。影片采用虚实相交的拍摄手法，让真实的历史镜头穿插于影片之中，与故事本身形成一种合力，慢慢唤醒那尘封的记忆，引领观众自然融人那个特殊的情境当中。（周黎明《西片碟中碟》）

《我最好朋友的婚礼》是一部1997年上映的美国浪漫喜剧片，由美国哥伦比亚电影公司发行，由P·J·霍根执导，朱莉娅·罗伯茨、卡梅隆·迪亚兹、德蒙特·莫罗尼、及鲁伯特·艾弗雷特等主演。影片于1997年6月20日在美国上映。
《我最好朋友的婚礼》围绕着一名女子茱莉安的感情生活，讲述她在知己好友宣布订婚后，才发现自己已爱上了他，于是用尽千方百计令好友放弃未婚妻的经过。
该片上映以2100万美元的首映票房，打破浪漫爱情片首映纪录；本片名列1997年度卖座电影第八名。该片获得第70届奥斯卡最佳最佳配乐提名、美国金球奖三项提名、英国电影和电视艺术学院奖提名、MTV电影奖三项提名。

获奖情况：

第70届奥斯卡金像奖 音乐/喜剧片最佳原创配乐(提名) 詹姆斯·纽顿·霍华德
第55届美国电影电视金球奖(提名) 最佳音乐/喜剧片（电影类）
第55届美国电影电视金球奖(提名) 最佳音乐/喜剧片女主角（电影类）朱莉娅·罗伯茨

英文简介：

When a woman’s long-time friend reveals he’s engaged, she realizes she loves him herself and sets out to get him, with only days before the wedding.
[toggle title=谷歌翻译，仅供参考]
一位雄心勃勃的巴基斯坦裔英国人和他的白人男友在开一家魅力四射的自助洗衣店时，努力争取成功并满怀希望。
[/toggle]

剧照欣赏：

1 的 5

最火台词：

Michael O’Neill: Kimmy says if you love someone you say it, you say it right then, out loud. Otherwise, the moment just…
Julianne Potter: Passes you by.
Michael O’Neill: Passes you by. Yeah.

（全部台词）

幕后花絮：

1、影片原本还有另一个结尾，朱莉亚扮演的朱莉安和德莫特扮演的迈克尔最后在一起，但是经过测试观众不喜欢这个结尾，所以导演还是拍了最终的结尾。
2、在原本的结尾中，迈克尔跟卡梅隆饰演的Kimberly走了以后，朱莉安遇到了另一个男人（由JohnCorbet饰演）。观众测试表明大家更想看到的是鲁伯特演的乔治，所以又改拍了新的结尾。
3、在剧本中，乔治原来不叫乔治，而叫狄格(Digger，挖掘者的意思)。
4、鲁伯特·埃弗雷特在片中的台词”sniffing the wind like a dappled deer “出自Julian Mitchell1981年的戏剧《同窗之爱》（《Another Country》，1984年被改编成电影），此剧曾使鲁伯特迅速扬名伦敦西区戏剧界。
5、金米的专业是芝加哥大学建筑系，但是芝加哥大学并没有这个专业。朱莉安说她在布朗大学辅修心理学，而布朗大学没有辅修专业。
6、一场追逐戏中宝马车里应该坐着俩人，但是镜头拉近只能看到一个。
7、餐馆中Dionne Warwick被介绍成惠特尼·休斯顿的姨妈，其实她们是表亲。
8、片中大家聚集在一起看Kimmy扔花束的镜头是在伊利诺伊州的Cuneo博物馆和花园中拍摄的，拍摄时剧组人员移走了巨大的地毯并把它放在某处，拍摄结束后博物馆工作人员花了几周时间才把它找出来。
9、影片中演员德莫特·麦隆尼（Dermot Mulroney）和卡梅隆·迪亚兹是由朱莉亚·罗伯茨挑选出演该剧的。

媒体评价：

影片最打动人的地方是，朱莉安在百般角逐无望后，毅然选择放弃的大智与勇气。罗伯茨和卡梅隆的喜剧天分总是让你在略感疲惫的时候精神一振。唯一让人无法容忍的是丁建华的配音苍老、做作，无论配哪个人物都忘不了贴上她自己的标签 。（新浪网评）

朱莉娅·罗伯茨那邻家女孩的形象使得她的成功看起来特别地真实。（人民网评）

片中两个女人因为明争暗斗笑话百出，一个女人在最好朋友即将走入婚姻殿堂时发现：自己最爱的居然就是这个男人；另一个女人在单纯相信未婚夫好友后，发现自己倾心相交的居然是一个情敌。《我最好朋友的婚礼》秉承了好莱坞的浪漫风格，淡淡的忧伤被充满了喜剧色彩的温馨笑料冲淡，而微妙的感动也就在笑声中发生了。当我们欢笑的时候有一点点泪光泛在眼底，这大概就是好莱坞浪漫爱情的结局吧。（新华网评）

图书摘录：

美食评论家朱丽安甩掉她大学男友迈克时，附加了一条口头协定:如果到28岁他们仍然单身，那么他们就重燃婚恋之火。影片开场时，她对迈克旧情犹在，只不过她对谈婚论嫁有一种莫名的恐惧。乔治是朱丽安的另一个“知心男友”，但他是同性恋，因此对她没有潜在的“威胁”。快到而立之年的朱丽安以为迈克打电话来求婚，谁知是通知她即将在几天后跟别人结婚，新娘是国色天香的吉美，而且她家很有钱。朱丽安恍然大悟:原来她无法忍受迈克跟别人结合，于是她踏上了颠覆迈克婚礼的不归路。影片中朱丽安的描写不落俗套，通常电影都一味美化主角，有意无意地站在主角的角度看问题。（周黎明《西片碟中碟》）

《莫里斯》是由詹姆斯·伊沃里执导，詹姆斯·维尔拜、休·格兰特、鲁伯特·格雷夫斯主演的剧情片，于1987年9月18日在美国上映。
该片改编自爱德华·摩根·福斯特的同名小说，讲述了莫里斯通过同学认识气质高雅的克里夫，两人因为情感问题大打出手。克里夫的仆人亚历克不忍莫里斯忧伤，常陪伴在他身边。因为亚历克移居他乡，莫里斯再度受到打击的故事。

获奖情况：

第60届奥斯卡金像奖 最佳服装设计(提名) 珍妮·碧万 / 约翰·布莱特
第44届威尼斯电影节 主竞赛单元 金狮奖 (提名) 詹姆斯·伊沃里
第44届威尼斯电影节 银狮奖 最佳影片 詹姆斯·伊沃里
第44届威尼斯电影节 金奥赛拉奖 最佳配乐 理查德·罗宾斯
第44届威尼斯电影节 沃尔皮杯 最佳男演员 詹姆斯·维尔比 / 休·格兰特

英文简介：

After his lover rejects him, a young man trapped by the oppressiveness of Edwardian society tries to come to terms with and accept his sexuality.
[toggle title=谷歌翻译，仅供参考]
在他的情人拒绝了他之后，一个被爱德华社会的压迫所困住的年轻人试图接受他的性取向。
[/toggle]

剧照欣赏：

1 的 2

最火台词：

Maurice Hall: I’m an unspeakable of the Oscar Wilde sort.

（全部台词）

媒体评价：

该片描述了三个男人之间细腻的感情世界，成功探索同性之间的情感，对人物细腻的心理也体现的特别周到，歌颂了完美无瑕的同性之爱。高雅的唯美气质和细致的古典色彩是该片的一大特色。值得一提的是该片的摄影。色彩鲜明，有如文艺复兴时期绘画的画面，和高雅的古典音乐相互搭配，有一种贵族的华丽气质，几个男主角都温文尔雅。导演表达出了一种细腻精致的英国情调 。（《青春世界电影》评）

该片通过对20世纪初同性恋者生存境遇的描述，折射出世俗偏见对人性残酷的压抑与扭曲。在片中导演基本上忠实维持了三个男性人物之间的相互关系，保留了小说中的大部分人物对话。（《电影文学》评）

影史钩沉：

休·格兰特说，因为他和詹姆斯·维尔拜之前已经在[牛津之爱]有过合作，彼此都很熟悉，所以他们可以在维尔拜试镜[莫里斯]的前一晚，直接在格兰特的家里练习排戏。格兰特说，“我还记得有一次，我弟弟回家的时候，发现我正在亲吻詹姆斯·维尔拜，他还吓了一跳呢。”（《看电影》杂志）

图书摘录：

本片改编自EM·福斯特的作品，起用英国小生三人组主演这个三角关系的同性恋故事，在当年这类题材还算新鲜时引起相当的轰动。剧情描述墨利斯透过同学认识了气质高雅的克里夫，常在他华丽的别墅中流连，后来两人因隐晦的感情问题而大打出手。克里夫的园丁亚立克因不忍墨利斯忧伤，常陪他打猎消遣，并建立起友谊。不久，亚立克要移居他乡，墨利斯的感情再次受到冲击。（周黎明《西片碟中碟》）

《小姐与流氓》（Lady and the Tramp）是美国迪士尼公司出品的第15部动画电影，由汉密尔顿·卢斯科、克莱德·吉诺尼米、威尔弗雷德·杰克逊执导，派姬·李、Barbara Luddy、Larry Roberts等参与配音。
该片以沃德·格林的短篇为蓝本，叙述了宠物狗“淑女”因误会离家，与一只流浪狗在一连串的冒险及冲突中发展出恋情的故事 。作品1955年6月22日在美国上映。

英文简介：

The romantic tale of a sheltered uptown Cocker Spaniel dog and a streetwise downtown Mutt.
[toggle title=谷歌翻译，仅供参考]
一个浪漫的故事，一个受保护的住宅区的可卡犬和一个街头小贩市中心。
[/toggle]

最火台词：

Boris: Ah, but remember, my friends. Even Tramp has his Achilles heel.
Pedro: Pardon me, amigo. What is this chili deal?
Boris: Achilles heel, Pedro. This is meaning his, uh, weaknesses.
Toughy: Oh! Oh, the dames. Yeah.
Bulldog in Pound: He has an eye for a well-turned paw, he has. Let’s see, there’s been Lulu…
Toughy: Yeah, and Trixie…
Dachsie: Und Fifi…
Pedro: And my sister, Rosita Chiquita Juanita Chihuahua. I think.

（全部台词）

幕后花絮：

• 该片是迪士尼首部把场景安排到现实生活中的影片；
• 影片在戏院推出时屏幕比例为2.55:1，也是迪士尼第一次在动画影片中使用宽银幕（此前的都是以1.33:1全屏幕比例上映）。
• 影片中两只狗吃意大利面而接吻的画面出自动画师弗兰克·托马斯观察狗吃食情况后的灵感。

幕后制作：

创作背景
该部作品的构思源于1939年乔·格兰特以家里名叫“内尔小姐（Lady）二世”的狗为原型绘制的故事素描，剧本的创作断断续续历时数年，但华特·迪士尼始终不够满意；在1945年，迪士尼买下沃德·格林（Ward Greene）创作的短篇寓言《快乐的丹，一只愤世嫉俗的狗》（Happy Dan, Cynical Dog）的版权，并将故事男性主人公的形象性情作为一个小狗角色的设定加入了“小姐”项目，和小姐的女性特质结合到一起，指派外部作家写一部小说，然后据以改拍成电影。
制作过程
在创作影片过程中塑造角色的时期，工作人员们采取观察狗的生活习惯并逐格分解的形式；迪士尼公司还订做许多缩小比例的家具用来临摹，以表现出“狗眼看世界”的视野，同时采用宽屏让好动的狗角色绘制时不会太快移出画面。

媒体评价：

正面
影片画笔细腻，情节温馨隽永，电影配乐时而欢快、时而悠扬，也烘托了整个故事的氛围。（新浪娱乐评）

该片不仅使青少年们高兴，对于成人也带来很多的乐趣，每条猎犬都反映出精妙的绘图板技术和富幽默感的创造能力。（《Variety》评）

负面
电影并不坏，很有趣但不是优秀，迪士尼的想象力在该部片里似乎到了低潮，尚未出现足以挽回自身魅力的灵感，背负着一份干瘪而过分自然主义的风格，倒是符合战后动画减少了的可选余地。（《芝加哥读者报》评 ）

图书摘录：

迪斯尼第一部宽银幕卡通片，讲一只纯种狗在主人有了孩子后遭到冷落，离家出走，跟只无忧无虑的野狗成了朋友，并且擦出感情的火花。意大利面条那场戏是最经典的。（周黎明《西片碟中碟》）

英语短评精选：

Outstanding Love Story.
优秀的爱情故事。

《搏击俱乐部》是20世纪福斯电影公司于1999年发行的一部悬疑惊悚片，电影改编自恰克·帕拉尼克的同名小说，由大卫·芬奇执导，布拉德·皮特、爱德华·诺顿、海伦娜·伯翰·卡特等主演。
该片讲述了生活苦闷的泰勒为了找寻刺激与好友杰克组成“搏击俱乐部”，在那里他们可以把一切不快的情绪宣泄，借着自由搏击获得片刻快感的故事。

电影看点：

一则极具颠覆性质的社会生活寓言
一幕以死亡为主题的黑色喜剧
一部具有社会警示作用的电影，兼具强烈的世纪末情绪和浓厚的无政府主义色彩
二十世纪九十年代社会问题片的代表作之一
另类电影的巅峰之作
邪恶与平庸蛰伏于同一个母体，在特定的时间互相对峙

获奖记录：

·第72届奥斯卡金像奖最佳音效剪辑(提名)
·第9届MTV电影奖最佳打斗场面(提名)

英文简介：

An insomniac office worker and a devil-may-care soapmaker form an underground fight club that evolves into something much, much more.（详细剧情，2）
[toggle title=谷歌翻译，仅供参考]
一个失眠症办公室工作人员和一个魔鬼可能会关心肥皂剧制作人形成一个地下搏击俱乐部，演变成更多，更多的东西。
[/toggle]

剧照欣赏：

1 的 4

最火台词：

Tyler Durden: [31:14] The things you own end up owning you.

（全部台词）

电影故事：

杰克是一个充满中年危机意识的人，他非常憎恨自己的生活和周围一切，再加上患有严重的失眠症，他常常只为了接触人群而参加各种病人联谊会。一次，杰克遇见了一个跟他同样理由来参加联谊会的神秘女人玛拉。在一场街头大战中，杰克又认识了肥皂商泰勒，两人很快成了好友，并开始创建“搏击俱乐部”：一个旨在宣泄暴力，让彼此不戴护具而互殴的秘密团体。某夜，泰勒在杰克的公寓中和玛拉上床了，这让杰克非常忌妒。同时“搏击俱乐部”也成了全国性的地下大组织，所有成员都将泰勒视为教父。他们发起全国性的暴动，到处炸毁建筑物。

权威点评：

本片演绎手法十分新颖诡秘，CG（电脑绘画）镜头、忽然插入单格画面……将传统时空因果次序彻底倒转。片中“搏击俱乐部”愤世嫉俗、以暴抑暴的理念，讲求于痛苦和暴力中张扬心灵自由的主张，无不渗透出都市人共有的复杂的现实心理的异变。影片运用的手法前卫甚至晦涩，其象征性元素也大胆而丰富，但因其所诉说的精神主题是生活在钢筋丛林中的人们所熟悉甚至是潜意识中渴望的，所以即使叙事手法上先锋跳跃，也不会对观众造成太大的解读障碍，充其量是一种情理反差后的恍然大悟。这也许是凌厉影像和荒诞情节之外更难把握的艺术层次，这也是该片最成功的地方。

幕后花絮：

• 导演大卫·芬奇为该片拍了超过1500卷胶片，比正常数量的三倍还多。
• 布拉德·皮特的角色最初是打算念一个真正的自制爆炸物配方，出于对公众安全的考虑，电影制作人把这个配方换成了一个虚构的不能用的配方。
• 虽然爱德华·诺顿在1998年的电影《赌王之王》里拒绝吸烟，但在这部电影中，他确实真的抽烟了。
• 摄制组在一个城区住宅的外景地拍摄时，楼上的一个男住户忍受不了拍摄的吵闹，扔了一个40盎司的啤酒瓶下来，瓶子虽然打中了摄影导演杰夫.柯林威斯，倒是没真正伤到他，这住户随后被逮捕拘留了。
• 在拍摄布拉德·皮特和爱德华·诺顿醉醺醺地打高尔夫的场景中，他们真的喝醉了，于是高尔夫球被打得直接飞向了剧组的给养车。
• 在影片预先设想中，布拉德·皮特和爱德华·诺顿激动地发现他们都讨厌新款的甲壳虫汽车，于是在电影里，观众能看见他们用棒球棒敲一辆新款甲壳虫的场面。
• 电影里一桩故意破坏的行为是毁坏苹果的麦金塔什电脑，这个破坏画面出现在电影的第84分钟。
• 布拉德·皮特和爱德华·诺顿第一次打斗的那辆棕色旅行车，是导演在1997年拍《心理游戏》时詹姆斯·里贝罗开车送迈克尔.道格拉斯去海岸无线电台的同一辆车。这车的挡风玻璃上还贴着CRS的标志。
• 片中的三个侦探的名字分别叫侦探安德鲁、侦探凯文和侦探沃克。安德鲁·凯文·沃克其实是该片导演大卫·芬奇1995年拍摄的电影《七宗罪》的作者。
• 当泰勒在机场跳进一个红色的敞篷车时，可以听见一个男的叫到“嘿，那是我的车！”。
• 在泰勒的房子里，有本电影杂志的封面女郎是德鲁·巴里摩尔，她是爱德华·诺顿的好朋友。
• 布拉德·皮特和海伦娜的床戏大多数是电脑合成的。
• 布拉德·皮特和爱德华·诺顿在拍摄期间真的学会了如何制造肥皂。

幕后制作：

拍摄手法
在拍摄《搏击俱乐部》的时候，导演大卫·芬奇借助了拍摄MTV的手法，将全片的故事结构设计得很复杂，从头至尾使用的画外音，以“我”的第一人称叙述者来讲故事。这种方式能够在影片中途随时打断讲述，即兴地插入其他内容，这就使得导演能够跳出既定情节，离题发挥自己想要表达的其他任何内容 [7] 。
角色选择
起先饰演女主角玛拉的女演员并不是海伦娜·伯翰·卡特，而是瑞茜·威瑟斯彭。后来导演大卫·芬觉得瑞茜·威瑟斯彭太年轻了，而威瑟斯彭也说这电影太黑暗了。因此玛拉角色的才改由海伦娜·伯翰·卡特来饰演。此外柯特·拉夫和薇诺娜·赖德也被考虑过来扮演玛拉这个角色。

媒体评价：

黑色幽默的风格：
影片挖掘愤青内心的不安全感，并赋予其黑色幽默的风格。《搏击俱乐部》可以说是一出黑色喜剧，片中以死亡为主题的幽默随处可见（宝安日报评）。

这部具有强烈大卫·芬奇色彩、以死亡为主题的黑色喜剧一反好莱坞商业片模式，映像狂放，手法天马行空，情景怪诞核突，可谓一部视觉杰作（搜狐网评） 。

独特的电影叙事：
《搏击俱乐部》的故事不见得比《心理游戏》和《返老还童》精彩，但是大卫·芬奇将隐藏在电影中的说教变成了赤裸裸的反抗，特别是电影的主角有典型的人格分裂，这样就使电影看上去一方面向社会问题开炮，一方面对个人内心刺探，仿佛在精神层面陡然高大起来（宋焘评） 。

大卫·芬奇用魔术之手构筑出了这部“心理武打片”，杰克是失眠症患者，他找到一种方式治疗自己，就是恶作剧式的参加各种疗伤团体，向陌生人倾述，痛哭一场后大睡一觉。倾述和忏悔属于自揭伤疤，是用一种伤透自己的方式求得心理安慰，而只向陌生人倾述则说明骨子还是在保护自己。他嘴上虚构自己有睾丸癌参加疗伤讨论，内心的另一个人格泰勒在镜头里也开始闪现。泰勒则是代表了一种真正用破坏甚至是自我伤害来证明自己、解决问题的力量。正是利用泰勒，这个在电影中已经是虚构的人物，《搏击俱乐部》才那么的锐利，那么的离经叛道。（宋焘评） 。

《搏击俱乐部》是一部色调暗、进度快的电影，观众在看的时候没有多少时间细想，但与其他同类影片不同的是，大卫·芬奇的每个快速的镜头切换除了可以不让观众觉得乏味，还有其独特的作用。整个片子最惊心动魄的事情并不是电影在讲什么，而是大卫·芬奇如何把观众推进讲述者“我”的脑海中，迫使观众不由自主地身临其境地逼真感受“我”的感觉。这也为电影界讲故事的方法提供了另外一种可能性（电影网评） 。

具有社会警示作用：
《搏击俱乐部》是一部运动片的风格的电影，扣人心弦的故事主线以及有力的社会警示作用都可以媲美90年代的电影《发条橘子》。《搏击俱乐部》不仅给人印象很深，还引发了人们的思索。与很多恐怖片不同的是它留给观众大量的问题去回想和争论。《搏击俱乐部》所展示的发人深省的、多层次的故事给人们提供了足够多的讨论素材。（新浪网评） 。

《搏击俱乐部》的确是一部暴力的电影。有的情节表现得十分的残忍，以至于一些观众会扭头不看，比如一个人从他的嘴里把自己松动了的牙齿拔了出来。当然，所有这些血腥的镜头都是为了揭示影片的主旨：人天性残忍，而每日苦差麻木了人心，引发狂性，结果产生难料的后果。搏击俱乐部的成员们都是现代社会使人失掉人性和感觉的牺牲品。他们已经变成了轮子上的嵌齿，他们恢复个性观念的唯一方法就是返回到最原始、最野蛮的痛苦和暴力的本能中（新浪网评）

电影冷知识：

大卫·芬奇曾说[搏击俱乐部]中每一个镜头都要有一个星巴克的杯子，而事实上也确实有大多数的镜头里出现了星巴克的杯子。他解释道，1984年刚搬来洛杉矶的时候，因找不到一杯好咖啡来拯救生活，直到遇到了星巴克，所以想尽可能多的在电影里放上星巴克的杯子。 ​​​​

图书摘录：

男主角原是白领嬉皮，担任某汽车公司的车祸调查员，过着中产独身生活。但他不安于此，不断参加各式绝症顽疾人的互助会，在别人的痛苦中谋取宽慰。自结识另一主角后，两人组成了以拳击殴斗为乐的地下“搏击会”，同时他俩跟同一美女发生了奇情三角恋。
本片导演映像狂放，手法天马行空，情景怪诞核突。其不合正常尺度、标奇立异的魔性刚开始时让人难以捉摸。影片挖掘愤青内心的不安全感，并赋予其黑色幽默和辛辣的风格。（周黎明《西片碟中碟》）

《搏击俱乐部》经典台词：

《搏击俱乐部》经典台词

《搏击俱乐部》片尾曲：

《搏击俱乐部》片尾曲Where Is My Mind

基本介绍：

《艾德·伍德》是由蒂姆·伯顿执导，约翰尼·德普、马丁·兰道等人主演的一部传记片。该片于1994年9月28日在美国上映。
影片讲述了心怀大志的庸才艾德·伍德经历了种种挫折永不放弃，在电影圈艰难前行，最终得到业内尊敬的故事。

英文简介：

Ambitious but troubled movie director Edward D. Wood Jr. tries his best to fulfill his dreams, despite his lack of talent.
[toggle title=谷歌翻译，仅供参考]
野心勃勃但问题重重的电影导演小爱德华·D·伍德尽管缺乏天赋，但还是尽力实现自己的梦想。
[/toggle]

剧照欣赏：

1 的 3

最火台词：

Orson Welles: Visions are worth fighting for. Why spend your life making someone else’s dreams?

（全部台词）

幕后花絮：

花絮：

• 片头制作费超过任何一部艾得伍德的电影预算。整个制作费比所有的艾得伍德电影加起来还多。
  约翰尼·德普坐落在好莱坞，能够望见他的“毒蛇俱乐部”的家，之前就是属于Bela Lugosi的房产。影片中Bela摘花那段是在Bela故居拍摄的。
• 一开始Bela Lugosi的儿子不愿看这部电影，认为它不能准确地描述他的父亲，但是当看过马丁·兰道的表演后，他认为这充分表达了对他父亲的敬意，并且和兰道成了好朋友。
• 影片之所以被拍成黑白片是因为没人能够想象得出Bela Lugosi在彩色片中是什么样子。
  蒂姆·伯顿说他之所以写这个故事是因为艾得伍德与Lugosi之间的友谊跟他和演员Vincent Price晚年的友谊很相似。
• 片中Bela说他“不拍电影好多年”，其实Bela在1952年拍过两部电影《Mother Riley Meets the Vampire 》和《Bela Lugosi Meets a Brooklyn Gorilla》。
• 艾德·伍德的妻子凯西·伍德来过片场探班，并说要见见约翰尼·德普。蒂姆·伯顿为此还有些紧张。当凯西看过了约翰尼·德普的表演片断后，说这就是她的艾德。

穿帮：

1. 在电影《怪兽的新娘》首映礼上，可以听见一男子大喊该片里演员的名字：“兰道先生”。
2. Bela在家看吸血鬼电影时，趴在他腿上的两条狗消失又出现。

幕后制作：

创作背景
编剧斯科特·亚历山大和拉里·卡拉斯泽斯基在就读于南加州大学电影艺术学院期间，就萌生了拍摄艾德·伍德传记片的想法。两人完成了电影《艾德·伍德》的10页故事大纲，其中的故事雏形源于鲁道夫·格雷所著的长篇传记《Nightmare of Ecstasy》，书中记载了伍德家人和同事的访谈内容，并将其交给导演麦克·勒曼。他将故事大纲推荐给制作人丹尼斯·蒂·诺威。随后，蒂·诺威和波顿决定担纲改片制作人，并由麦克·勒曼执导。
波顿开始仔细阅读《Nightmare of Ecstasy》和伍德的信件，他承认自己一直是伍德的影迷，这也正是该片为何会以溢于言表的赞赏之情讲述伍德的生平而毫无嘲讽之意的原因。剧本中伍德与贝拉·卢戈西的关系恰好让波顿想到了他与文森特·普莱斯的关系，普莱斯是波顿的偶像，两人的相遇和合作对波顿产生了不可思议的深远影响，恰好与伍德和卢戈西的关系如出一辙。就在全心研究伍德的同时，波顿接到了执导《致命化身》的邀请，哥伦比亚电影公司希望尽快开拍，而且用朱莉娅·罗伯茨替下了原定主演薇诺娜·瑞德，波顿因此拒绝担纲，而是对执导《艾德·伍德》满怀兴趣。此时勒曼已经签约执导《摇滚总动员》，只能改任该片监制。
亚历山大和卡拉斯泽斯基在六周内完成了147页的剧本，波顿第一次看到剧本就决定立即筹拍，而且剧本无需任何修改。《艾德·伍德》让波顿有机会拍摄一部更侧重于人物而并非依赖于风格的电影。最先筹拍本片的是哥伦比亚电影公司，可当波顿想将该片拍成黑白片时，遭到了哥伦比亚主管马克·坎顿的反对，他表示，除非公司得到影片的优先取舍权。波顿认为黑白画面非常适合影片故事素材，必须将该片拍成黑白片，并坚持享有全部决策权。

媒体评价：

电影的主题非常明显，就是真诚的在向一个平庸之辈致敬，该片在细节和角色塑造上尽管有一定缺陷，但是却有着独特的魅力。（《多伦多环球邮报》评）

该片的内容一半是真实的，一半是幻想的，整体看来是幽默搞笑的，让人观影之后却能出人意料地被感动。 （《今日美国》评）

该片是一部歌颂庸才的电影，而不是嘲笑他，该片的反讽主题让人深思，片中二十世纪五十年代的场景布置别具匠心，非常有时代感。（《芝加哥太阳时报》评）

马丁·兰道在该片里的妆容难以辨认，他的表演更是很有深度，这点让该片的主角，艾德·伍德的扮演着约翰尼·德普相形见拙。（《ReelViews》评）

影史钩沉：

• 1994年[艾德·伍德]片场，艾德·伍德的妻子凯西·伍德突然出现，想看看约翰尼·德普怎么演她老公。这让导演蒂姆·伯顿很紧张，因为当天刚好拍摄一场伍德失魂落魄的戏。当德普从化妆车里走出来的时候，凯西非常满意，说：“这就是我的艾迪。” ​​​​
• 导演艾德·伍德的大半辈子几乎都在为每一部电影的资金奔波劳碌，1955年的[大话原子人之怪兽娶亲]为了筹几万块钱，他甚至屈从于一个肉类批发商的要求，让批发商的儿子饰演了片中的英雄角色。

（看电影杂志）

获奖记录：

·1995年 [[奥斯卡]]最佳男配角([[Martin_Landau]])
·1995年 [[奥斯卡]]最佳化妆奖(Rick Baker Ve Neill Yolanda Toussien)
·1995年 金球奖最佳男配角([[Martin_Landau]])

图书摘录：

本片是该影人的传记，并且模拟伍德影片的廉价风格。戴普扮演的伍德抓住了人物的精髓，但兰道扮演的30年代吸血鬼之王鲁勾西更是出神入化，为他贏得了奥斯卡奖。故事主要讲伍德跟鲁勾西之间的友谊，因为在50年代，鲁勾西的事业早已走下坡，加上赌瘾很大，已经黔驴技穷。影片并没有丑化伍德，他的无能自有其魅力。
1994年还有一部关于伍德的影片，是部纪录片，堪称本片的姐妹片。可见搞艺术不怕失败，能拍大烂片也是一种天才，怕就怕平庸。平庸(而不是弱智)才是艺术的死敌。（周黎明《西片碟中碟》）

英语短评精选：

The worst director of all time seen through the eyes of one of the best directors of all time
有史以来最差的导演

The Best of Burton-Depp
最好的蒂姆·波顿+约翰尼·德普

《逍遥骑士》是丹尼斯·霍珀执导，彼得·方达、丹尼斯·霍珀等主演的剧情片，于1969年6月26日在美国上映。
该片讲述故事讲述了两个年轻人完成毒品交易后，身穿皮衣开着哈雷摩托横穿美国大陆的故事。

获奖情况：

第42届奥斯卡金像奖 最佳男配角(提名) 杰克·尼科尔森
第42届奥斯卡金像奖 最佳原创剧本(提名) 丹尼斯·霍珀 / 特里·索泽恩 / 彼得·方达
第22届戛纳电影节 主竞赛单元 金棕榈奖(提名) 丹尼斯·霍珀
第22届戛纳电影节 最佳首作 丹尼斯·霍珀
美国编剧工会奖(提名) 最佳剧情类原创剧本

英文简介：

Through the open country and desert lands, two bikers head from L.A to New Orleans, and along the way, meet a man who bridges a counter-culture gap they are unaware of.
[toggle title=谷歌翻译，仅供参考]
穿过开阔的乡村和沙漠地带，两个骑自行车的人从洛杉矶前往新奥尔良，一路上，遇到了一个弥合他们不知道的反文化鸿沟的人。
[/toggle]

最火台词：

George Hanson: You know, this used to be a helluva good country. I can’t understand what’s gone wrong with it.
Billy: Man, everybody got chicken, that’s what happened. Hey, we can’t even get into like, a second-rate hotel, I mean, a second-rate motel, you dig? They think we’re gonna cut their throat or somethin’. They’re scared, man.
George Hanson: They’re not scared of you. They’re scared of what you represent to ’em.
Billy: Hey, man. All we represent to them, man, is somebody who needs a haircut.
George Hanson: Oh, no. What you represent to them is freedom.
Billy: What the hell is wrong with freedom? That’s what it’s all about.
George Hanson: Oh, yeah, that’s right. That’s what’s it’s all about, all right. But talkin’ about it and bein’ it, that’s two different thangs. I mean, it’s real hard to be free when you are bought and sold in the marketplace. Of course, don’t ever tell anybody that they’re not free, ’cause then they’re gonna get real busy killin’ and maimin’ to prove to you that they are. Oh, yeah, they’re gonna talk to you, and talk to you, and talk to you about individual freedom. But they see a free individual, it’s gonna scare ’em.
Billy: Well, it don’t make ’em runnin’ scared.
George Hanson: No, it makes ’em dangerous. Buhhhh! Neh! Neh! Neh! Neh! Neh! Neh! Swamp!

（全部台词）

获奖记录：

1970年奥斯卡最佳编剧奖提名　1969年戛纳电影节最佳处女作奖　1970年美国影评人协会奖特别奖

电影故事：

比利和怀特是一对留着长发、骑着色彩斑斓的摩托车四处游荡的嬉皮士。他们刚做成了一笔可卡因生意，满怀喜悦和兴奋赶赴新奥尔良狂欢节。一路上，两人的怪异打扮和轻狂举止，总遭白眼，有时甚至连旅馆也住不上，只能风餐露宿。两人在新墨西哥州参加了流浪汉的聚会，又在得克萨斯州无辜地被投入监狱。一位好心的律师汉森解救了他们，并结伴一起奔赴新奥尔良。然而，汉森却在一天晚上被突袭的歹徒打死，而比利和怀特也在公路上双双葬身于莫名而来的杀手……

权威点评：

影片的两位主人公是典型的“垮掉的一代”，他们和沿途的青年人产生共鸣，却不被正统势力所接受。他们就像“法国新浪潮”影片中的人物一样，随风而来，又随风而去。霍珀这部集编、导、摄和制片于一身的“自由、浪漫的暴力情绪和风格”的处女作成为了“新好莱坞电影”最重要的标志作品。在这部低成本的电影中，没有明星，没有表演痕迹，没有一环扣一环的戏剧性情节和大团圆式结局；全片多用自然光效；剪辑随意而流畅。这一切都挑战了经典时期的好莱坞影片，使影片成为六七十年代美国电影史的重要分水岭。它的轰动几乎在一夜之间淘汰了整整一代编剧、导演及制片人员，而换上了一些企图在电影商业与艺术之间有所突破的新一代电影人。

幕后花絮：

花絮

• 利普·托恩原定是乔治·汉森的扮演者。
• 该片定制了四辆警用摩托车。一辆在拍摄过程中被毁，其余三辆车在电影拍摄完成前被盗了。
• 在路易斯安娜咖啡店里，嘲笑男孩们的乡下人和电影末尾搭乘便车的两个人，都是制作者雇佣的当地居民。在咖啡店场景中，制作者本来想在当地剧院里找些演员试镜。后来丹尼斯·霍珀看到了考赛和拉冯特，观察这两个人相互说着俏皮话，当即改变想法决定就用他们了。
• 在制作期间，丹尼斯·霍珀需要面对很多棘手的问题。他自己当时正处于毒瘾偏执狂状态，向每个人大吼大叫。有工作人员偷偷把他对他们破口大骂的话偷偷地录下来，然后寄给洛杉矶的制片公司，解释为什么会有那么多工作人员退出。
• 彼得·方达是一个经验丰富的骑摩托车高手，但丹尼斯·霍珀的车技就没有这么好了，因此片中他的摩托车样式要相对保守。
• 在镜头前，彼得·方达、丹尼斯·霍珀和杰克·尼克尔森的确是在吸食大麻。
• 最后的篝火戏的拍摄与原定剧本相去甚远。是在两辆摩托车都被偷走以后拍摄完成的。
• 一些镜头是用16毫米而不是35毫米的胶片拍摄的。这些就成了一年之后开始后期制作的胶片样本。
  该片主角所穿的美国上尉夹克衫，由彼得·方达设计，洛杉矶的“two little old ladies”生产。影片杀青后在一个慈善活动上被卖掉了。
• 斯蒂芬·斯蒂尔斯应丹尼斯·霍珀的请求创作了歌曲《寻找自由的价值》，用于电影的最后一幕，霍珀却没有用上它。
• 电影开拍前的一个星期，彼得·方达天天穿着那件美国上尉夹克，骑着摩托在洛杉矶到处转悠，就是想把衣服弄得破破烂烂，还有习惯用激进另类的方式去骑车。夹克衫后背美国国旗的图案和油箱上面的美国旗帜，好几次招来警察想把他从上面拖下来。
• 丹尼斯·霍珀有最初的剪辑版本，时间长度大约为三个小时。在和制作方其他一些主要成员观看了这部电影之后，他们就把电影剪成了如今发行的这个版本的时间长度。
• 该片是第一部在电影中大量使用已经发行的音乐作品，而不是专门为影片创作的音乐。

穿帮

1. 在怀亚特得到农夫的许可，在谷仓内修理摩托车的时候，有个牛仔正在给马钉马掌，他的左手放在马背上。在不同镜头之间，他的双手放的位置都不一样。
2. 怀亚特和比利到新奥尔良去参加那里的玛迪格拉丝庆祝活动（Mardi Gras celebrations），这一活动是在二月中旬举行的，电影中他们开车经过的地方都还处于冬季，但是路上遇到的大部分演员却是穿着夏装。
3. 晚餐时，乔治·汉森戴着足球头盔，走了进去。当他开始坐下的时候，从镜子里看到他正擦着他的双眼。在接下来一个镜头中，他只是坐在那里，头盔已经放在了桌子上。
4. 警察局外面，主要演员和乔治在一起这段场景中，比利拿起一瓶酒喝着，这时可以在他的太阳镜里看到麦克风反射的影子。

幕后制作：

该片的诞生纯属偶然，是彼得·方达和丹尼斯·霍珀电话闲聊时突然来临的创作灵感，两人短暂交流后一拍即合，《逍遥骑士》由此诞生。
霍珀和方达并没有为电影写好完整的剧本，大部分是顺其自然拍摄下去的。他们没有请专业摄制组，而是在城镇里雇了一些公众所谓的嬉皮士，持摄影机的都是朋友或者路人。大部分时候，这些人都喝得酩酊大醉。

媒体评价：

该片堪称是公路片的标杆之作，片中对主题的表达方式很容易引起观影者的共鸣，情节引人入胜，尤其是它的自恋和宿命论，对嬉皮士运动的反思很深刻。 （《芝加哥读者报》评）

彼得·方达的表演就像给该片披上一件精美的礼服，与贝尔特·施耐德的背景音乐交相辉映，编制出《逍遥骑士》这部作品，让观影者融入这趟充满诗意的美国西南部之旅。 （《Variety》评）

该片是一部充满惶惑、否定、叛逆和悲剧的存在主义式公路电影。不仅是20世纪60年代美国垮掉运动的经典符号之一，更是开创新好莱坞黄金时代的分水岭。 （时光网评）

影史钩沉：

• 据杰克·尼科尔森回忆，[逍遥骑士]的构思是彼得·方达提出的，但一开始尼科尔森只以为是方达药嗑多了。方达又将想法告诉给丹尼斯·霍珀。霍珀听完来了劲，并萌生一个“绝妙的”点子：“我们把随身的钱换成可卡因，边抽边拍戏怎么样？”三个瘾君子纷纷赞成，踏上“逍遥”之旅。
• 1969年拍摄[逍遥骑士]时，律师一角原定是布鲁斯·邓恩，但是由于杰克·尼克尔森帮助丹尼斯·霍珀和彼得·方达搞定了哥伦比亚方面的投资预算，所以，这一角色被让给了老杰克。后来，当尼克尔森导演自己的第一部电影[开车，他说]时，他第一个找的演员，就是布鲁斯·邓恩，还上这笔人情债。
• 1969年，[逍遥骑士]受邀参赛戛纳。导演丹尼斯·霍珀和两位主演杰克·尼科尔森、彼得·方达，直接驾驶着重型摩托车来到克鲁瓦塞特宫前，彻底震撼了等在道路两旁的群众，不断有女孩给他们递上房间号码。据说当丹尼斯获得最佳处女作奖时，美国的小年轻们都沸腾了。 ​​​​

​​​​（看电影杂志）

图书摘录：

影片以两个年轻人长途跋涉为主要剧情，是典型的公路片模式，由此串起嬉皮文化的各个方面，如吸毒、幻觉、墓园跳舞、卖淫等等。
尼科尔森的角色非常抢眼。配乐及歌曲重现了当年的氛围。
大量电影试图模仿该片，但均未成功。（周黎明《西片碟中碟》）

英语短评精选：

A generation-defining counter-culture classic!
一代定义反文化经典！