《绿光》是一部由埃里克·侯麦执导，玛丽·瑞莱主演的爱情片，于1986年8月29日在美国上映。
该片讲述了刚和男朋友分手的女孩德芬在旅行中寻找爱情的故事。

英文简介：

It’s July, and Delphine has nowhere to go for the summer. She feels very bored and “empty”, but this won’t last; one day she accidently meets someone who seems to be totally made for her…（详细剧情）
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现在是七月，德尔菲夏天无处可去。她觉得很无聊和“空虚”，但这不会持续；有一天，她偶然遇到了一个似乎完全适合她的人。。。
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电影出品：

法国（1986）/彩色

获奖记录：

第43届威尼斯电影节 主竞赛单元 金狮奖 埃里克·侯麦
第43届威尼斯电影节 费比西奖（国际影评人联盟奖） 最佳影片 埃里克·侯麦

电影故事：

影片讲述了女职员戴尔菲娜从7月2日到8月4日这段时期的经历。7月2日，戴尔菲娜接到男友分手的电话。7月3日，她约女友，但女友由于临时有事而不能陪她，她陷入孤独之中。7月18日，女友带她来到海边，并把她介绍给一个水兵，但她躲躲闪闪，以不喜欢大海为由而离开此地。7月23日，她回到巴黎，一个男子主动和她搭讪，被她冰冷地拒绝。7月27日，她又一次离开巴黎，来到海滨城市比亚里兹。在那儿她遇到了一位放荡的瑞典姑娘。8月2日，她在海滩上遇到了一伙快乐的青年，可她怎么也快乐不起来。她还听到一些老人讲起儒勒·凡尔纳笔下那著名的“绿光”，说谁要能看到它，谁就能得到幸福。8月4日，她在火车站遇到了一个男青年，两人互有好感。俩人漫步来到海滩，奇迹出现了，他们看到了“绿光”，戴尔菲娜流下了激动的眼泪。

权威点评：

本片是侯麦“喜剧与谚语”影片系列的第6部。如果有一位始终注重真实的电影家，他一定是侯麦。尽管《绿光》有些出人意料，但它完全符合这位作者的逻辑。长镜头、即兴表演、即兴对白、低音量的人物对白和高音量的自然音响的对比……摄影机有意居于不显眼的地位，尽可能地取自现实，自然、平稳，不露痕迹。用电影理论家巴赞的名言“电影是生活的渐近线”来概括这部影片，是最恰当不过的了。

幕后花絮：

• 导演是以法国小说家凡尔纳在著作《绿光》中的一句话“谁能看见绿光，便能得到幸福”为灵感拍摄了该片。

影片评价：

《绿光》是一部描写期待的伟大电影，侯麦通过《绿光》向世人展示了一个寻找幸福的过程，也是一个迷惘却坚定的过程，导演真切的做到了让观众知道要想达到目的的期待是多么重要，于是他不描写目的地，却描写期待，然后他骤然收尾。所有的幸福完全被浓缩在影片最后的2分钟内，被释放于最后女主人公那一声欢呼里（网易娱乐评）。
《绿光》拍出了“侯麦风格的精髓”，他在电影中巧妙地借自然现象作象征物，描述自然环境对人物情感及命运的深刻影响，带引人进入一种神秘境界，把社会和道德的论述引入到一种超自然的神秘境界，越了社会和道德论述，而呈现由未知的命运牵引的不由自己（《广州日报》《东方早报》、新浪娱乐评）。
《绿光》和侯麦的其他电影不太一样，谈道德的成分比较少，它告诉观众，每个人都会有属于自己的“伟大的期待”：时机到来的时候，幸福就能来到。它更多地给予观众信念：对爱、自我、命运的信念。然而《绿光》让人不自觉地喜欢，自然不单是所谓的同情，而是观众目睹了一次寻觅幸福的过程（江苏人民出版社《董事会》评）

《慕德家一夜》是一部由埃里克·侯麦执导，让·路易·特兰蒂尼昂、玛丽-克里斯汀·巴洛特等主演的剧情片。
该片讲述了虔诚的天主教徒路易斯和他暗恋的女大学生以及慕德夫妇间展开的关于爱情、欲望与信仰的讨论。

电影看点：

侯麦《六个道德故事》系列之一

英文简介：

The rigid principles of a devout Catholic man are challenged during a one-night stay with Maud, a divorced woman with an outsize personality.（详细剧情）
[toggle title=机器翻译，仅供参考]
一个虔诚的天主教徒的严格原则在与莫德（Maud）的一夜情中受到了挑战，莫德是一个个性超凡的离婚女性。
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电影出品：

法国（1969）/黑白

获奖记录：

1971年美国影评人协会奖最佳编剧奖、最佳摄影奖
1970年纽约影评人协会奖最佳编剧奖

电影故事：

天主教工程师让-路易（也是影片的叙述者）就要和金发女孩弗朗西斯结婚了。这天老校友维尔达让路易陪他去看望刚刚离婚的莫德。路易花了一整夜的时间与这位美丽、自由、神秘的女医生就哲学问题进行了充分的讨论，但俩人始终没有发生什么事。第二天一早，路易动身去找弗朗西斯准备结婚。

权威点评：

本片是侯麦“6个道德故事”影片系列的第4部。“当叙述者追求1个女人时，他邂逅了另一个女人，这个女人吸引了他的注意力，直到他找回原来的女人”，侯麦这样概括“6个道德故事”的主题。这6个故事像6个交响乐的变奏，以相似的结构重复着同一个主题。侯麦把男主人公置身其中，这些人物纠缠在自我本能的释放与道德规则的制约之间。侯麦让观众观看他们的心理反应和动作，听他们的喋喋不休和自我辩解。本片充满了天主教工程师关于法国哲学家帕斯卡尔的长篇大论。侯麦的镜头长长地对准说话的一方，而没有分切或摇镜头；他把人物置于一个完全用自然音响创造的真实的环境中；而睿智的对话却让观众陷入深深的思索之中。这思索不仅是关于主人公的，也关于我们每一个人的生活。

影片评价：

《慕德家的一夜》是一部不折不扣的大闷片，它所反映的道德焦虑跟侯麦个人有重要联系。电影里男女双方的对手戏堪称经典，他们没有拖泥带水，不会故意引导和迷惑观众，话中有话的奥妙也不是世故两字所能形容（《南都娱乐周刊》评）。
《慕德家的一夜》 淋漓尽致地展现了侯麦呆板背后的机智风趣和沉闷伴随的意味深长（北京青年报评），影片将看起来不适合转化为影像的文学故事成功的搬上了银幕，一半时间都在谈论宗教与感情，表达出所有的浪漫爱情与固执道德都是风中尘埃，而故事里人物的行为言谈只是遮蔽思想外衣的主题（网易娱乐评）

图书摘录：

侯麦《六个道德故事》的第三个，讲一个品行高尚的天主教信徒让路易斯暗恋一个女大学生，他后来被一个老朋友邀请到片名中的慕德家中吃晚饭，饭桌上三人大谈哲学等话题。外面下起了大雪，加上酒过三旬，主人劝让路易斯留宿。女主人慕德是无拘无束的那种人，竭尽挑逗之能事，他抵制住了诱惑。后来，他终于跟心爱的女子结了婚，但发现原来她曾是慕德丈夫的情妇。（周黎明《西片碟中碟》）

他扮演作家，在横跨欧洲的快车旅途中，构思了一个剧情，设想另外一个人跟他搭同一班火车，一起参与贩毒、黑帮、性虐待等幻想，但在设想中却又遇到很多不合逻辑的地方。当火车到站，他决定放弃这个颇具难度的构想，可是他构思的男女主角此时却正拥吻于月台上。

英文简介：

A movie producer, director and assistant take the Trans-Europ-Express from Paris to Antwerp. They get the idea for a movie about a drug smuggler on their train and visualize it while taping the script.（详细剧情）
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一位电影制片人、导演和助理乘坐泛欧快车从巴黎到安特卫普。他们得到了一部关于火车上的毒品走私者的电影的想法，并在录制剧本的同时将其形象化。
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剧照欣赏：

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电影出品：

法国（1966）/黑白

电影故事：

作家兼导演阿兰·罗勃- 戈里耶在巴黎开往阿姆斯特丹的欧洲快车上，构思了一部名叫《横越欧洲的快车》的警匪侦破片。其背景就是巴黎开往安特卫普的欧洲快车。题材是关于毒品走私的。影片主人公伊利亚斯是一名毒品走私犯，他有一个情妇叫爱娃。最后，伊利亚斯被警察开枪打死。构思过程中，朋友们时时提问，导演难以回答，因此影片中人物的身份往往是不明确的，假定的情节比比皆是，不合逻辑的情节与细节也时常发生。最后，火车到站，导演感到拍摄此片困难重重，便放弃了这个念头。然而，导演构思中的影片男女主人公却正在车站月台上紧紧拥抱。

权威点评：

法国“新小说派”主将阿兰·罗勃-戈里耶编导的这部影片被评论家称为“无情节影片”。它有意识地排除镜头和场景段落中的因果关系，故事情节缺乏连贯性，场面松散无序，意识流的时空跳跃令人眼花缭乱，互不相干的细节充斥全片。但这种叙事方法却和影片所要表现的内容——一部影片的构思过程——具有内在的同构性，可诱导观众去充分地自由想象。本片采用意识流的方式表现一部文艺作品的构思过程，这在电影中尚属首创。

幕后制作：

罗勃—格里叶这个“新小说大虾”兼编导演于一身，为影片增添了浓浓的文学味。影片属于“现代主义”风格，打破叙事线索的因果联系，情节没有连贯性，采用意识流的时空跳跃等表现手法在当时很超前，简单来说就是用文学的意识流手法来表现一个文学作品的构思设想过程，很富有创意，但多少有点掩盖其内在的浮夸。

图书摘录：

罗勃一格里叶这个“新小说大虾”兼编导演于一身，为影片增添了浓浓的文学味。他扮演作家，在横跨欧洲的快车旅途中，构思了一个剧情，设想另外一个人跟他搭同一班火车，起参与贩毒、黑帮、性虐待等幻想，但在设想中却又遇到很多不合逻辑的地方。当火车到站，他决定放弃这个颇具难度的构想，可是他构思的男女主角此时却正拥吻于月台上。（周黎明《西片碟中碟》）

背景图片：

《五至七时的奇奥》是华达的成名作，也是新浪潮电影中一部举足轻重的作品。影片反映了导演的政治含义，而开场时和结尾处用彩色摄影，歌手的游荡过程则用黑白的处理，则显示出主角心态的前后变化和对生活意义的不同理解。摄影流畅优雅，中段的音乐场景颇为悦目，戈达尔等串场的搞笑戏也很有效果。为了增加新浪潮所推崇的纪实美感，影片中人物故事发生的顺序时间与影片本身的时间一致，堪称是“实时电影”的代表作。

获奖情况：

第15届戛纳电影节 主竞赛单元 金棕榈奖(提名) 阿涅斯·瓦尔达

英文简介：

Cleo, a singer and hypochondriac, becomes increasingly worried that she might have cancer while awaiting test results from her doctor.（详细剧情）
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歌手兼忧郁症患者克莱奥在等待医生检查结果时，越来越担心自己可能患上癌症。
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剧照欣赏：

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电影故事：

歌手克莱奥从算命师那里得知自己可能得了胃癌，因此她不敢到医院去取体检结果，她无法克制地认为自己不久便会死去。从算命师那里出来，克莱奥游荡在巴黎的街头。从5点到7点，她先后遇到男朋友、作曲家、人体艺术家等等不同的男人。他们听克莱奥回忆着自己生命中的各个片段，但又都没有时间与她交流。影片的最后，克莱奥遇到了一位第二天即将奔赴阿尔及利亚战场的士兵安东尼。同样的恐惧，同样需要寻找理想生活的愿望，让俩人真正地交流起来。克莱奥明白了，与真正的看得到的死亡相比，自己是快乐的。克莱奥开始重新面对自己的生活……

权威点评：

《五点到七点的克莱奥》是法国“新浪潮”电影中非常重要的一部作品。阿涅丝·瓦尔达用一个女人的故事表达了她的性别观点和政治立场。影片的开头与结尾部分是彩色段落，而克莱奥四处游荡的过程是黑白的。这种富有象征意义的处理，可以被看成是克莱奥心理变化的呈现，同时也是瓦尔达对克莱奥生活的一种理解。影片叙事时间和事件发生时间的一致——一个半小时，为作品增添了纪录片式的质感与力量。在纪实风格之中，瓦尔达也为影片注入了某种理性的美，那些混合了唯美的（复杂精确的场面调度）与表现主义风格的画面，使整个作品流露出一种细腻的真实感。

《鬼火》是由路易·马勒执导的108分钟剧情影片。该片由莫里斯·荣内特、Léna Skerla、Yvonne Clech、于贝尔·德尚、Jean-Paul Moulinot等主演，于1963年10月15日在法国上映。
该片改编自皮耶尔·德希厄·拉·侯歇勒所著同名小说，讲述了刚从疗养院戒掉酒瘾的花花公子阿伦，想寻找人生的目标，但又发觉与充满荒谬和丑恶的社会格格不入，于是重蹈覆辙，在酒精的陪伴下自杀。

获奖情况：

第24届威尼斯电影节 主竞赛单元 金狮奖 (提名) 路易·马勒
第24届威尼斯电影节 评审团特别奖 路易·马勒
第24届威尼斯电影节 帕西内蒂奖 最佳电影 路易·马勒

英文简介：

Alain Leroy is having a course of treatment in a private hospital because of his problem with alcohol. Although he is constantly distressed, he leaves the hospital and tries to meet good old days’ friends. None of them will be helpful, increasing Alain’s distress.
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幕后花絮：

• 《鬼火》的原著小说的原形人物是一位年轻的画家，是原著作者皮耶尔·德希厄·拉·侯歇勒的朋友，不到三十岁就以自杀的方式结束了自己的生命。而皮耶尔·德希厄·拉·侯歇勒最后同样也是采用自杀的方式离开了这个世界。
• 莫里斯·荣内特为了从形象上贴近角色花力气减肥了50磅。
• 原著背景是20世纪20年代，改编后的影片年代背景为20世纪60年代。

媒体评价：

《鬼火》不仅在精神上延续了路易·马勒一贯的创作理念，在故事的处理上也秉承了他一贯的“压缩时间”的特色。大部分情节集中发生在一两天内，并且十分强调角色的情感变化。马勒影片中的角色往往具有超乎常人的特质，并带有浪漫主义的倾向。《鬼火》对社会层面的描叙极为深刻，对中上阶层和知识分子令人接受不了的社会礼仪和隐藏在彬彬有礼之下的虚伪给予了一贯的嘲弄和讽刺。影片散发出的严肃和忧伤，以及极为个人化的情绪和情感体验赋予了角色以极强烈的悲剧色彩。导演以自我感受为出发点有感而发式的拍摄手法将一个沉迷于酒精之中的堕落浪子在自杀前的种种颓废心境和不安心态刻画得淋漓尽致。影片同时以冷静的格调描绘了一幅1963年巴黎的浮世绘。纪录片似的扫视镜头跟随着主人公阿伦在巴黎的街头逡行，氤氲着人间百态的苍凉和无奈。背景中的喧闹更加凸显出阿伦内心世界中的焦虑与疏离。（腾讯娱乐评）

影史钩沉：

1963年的[鬼火]在开拍时是彩色的，但是拍了两天之后，路易·马勒认为对于这个故事来说，色彩会分散人的注意力，于是果断决定用黑白底片重新开拍。 ​​​​（《看电影》杂志）

图书摘录：

马勒格调最阴沉的一部作品，改编自作家皮耶尔·德希厄·拉·侯歇勒的小说，原著背景是20年代，但马勒则改为1963年的法国。故事描述一个刚从疗养院戒掉酒瘾的花花公子阿兰，妻子与他分居，他百无聊赖就抽烟、剪报(剪下有关女孩自杀的消息贴在玛丽莲·梦露的玉照旁)、画画、看照片、写日记，目的在于忘掉酒瘾。他想寻找人生的目标，但又发觉与充满荒谬和丑恶的社会格格不入，于是重蹈覆辙，在酒精的陪伴下自杀。本片表达死亡的主题，塑造出一个酒鬼形象，比起美国的《相见时难别亦难》和《失去的周末》等同类题材，其社会意义更为深刻。主人公必须面对生存与死亡的两难选择，而最终的悲剧也是他回应痛苦人生和卑劣社会的惟一结局。（周黎明《西片碟中碟》）

《日以继夜》是弗朗索瓦·特吕弗执导、1972年11月15日上映的一部法国剧情电影，由让-皮埃尔·利奥德、杰奎琳·比塞特、瓦伦蒂娜·格特斯等主演。
该片讲述了《日以继夜》讲述了电影导演，演员和制作人的故事。

获奖情况：

第47届奥斯卡金像奖 最佳导演(提名) 弗朗索瓦·特吕弗
第47届奥斯卡金像奖 最佳原创剧本(提名)
第46届奥斯卡金像奖 最佳外语片
第47届奥斯卡金像奖 最佳女配角(提名) 瓦伦蒂娜·格特斯
第47届奥斯卡金像奖 美国影评人协会奖 最佳影片

英文简介：

A committed film director struggles to complete his movie while coping with a myriad of crises, personal and professional, among the cast and crew.
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一个执著的电影导演在努力完成他的电影的同时，还要应对演员和剧组中的无数个人和专业的危机。
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剧照欣赏：

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幕后花絮：

·特吕弗在拍摄《日以继夜》之间充分发挥了他对即兴创作的爱好。在拍摄过程中演员不用对台词死记硬背，据说他的演员们也已经习惯了在拍摄前一天晚上才读到台词；其次，那些认识特吕弗的人已经习惯于从跟他的谈话中引用言词；最后，拍摄工作越向前推进，时间与财务方面越紧张，电影的制作就变得越来越即兴化。
·《日以继夜》又被翻译成《戏中戏》，有趣的是如果将特吕弗拍摄影片本身也算进去的话，那么这部电影就变成了三个套层空间——拍摄《日以继夜》的特吕弗、拍摄电影的导演、电影股市。因为拍摄期间，特吕弗爱上了扮演茱丽的女主演雅克琳·比塞特（Jacqueline Bisset），显然特吕弗并没有将这段插曲放入故事中，而让比塞特与男主演雷奥发生了一场闪电般的一夜情。电影中的失控是假，而现实中的失控才是真实。现实与电影到底哪个更精彩？
·这部电影是献给Gish 姐妹的(Lillian Gish and Dorothy Gish)
·《日以继夜》与《狂人夏洛特》Madwoman of Chaillot用的是同样的工作室甚至还有些同样的布景。

幕后制作：

关于影片
在布努艾尔的《资产阶级的审慎魅力》之后拿走奥斯卡奖最佳外语片的就是特吕弗的这部《日以继夜》（La Nuit Américaine, 1973）。这部电影的原名是一个专业术语，指美国人经常在大白天利用滤光镜拍夜景，天空透过滤镜呈深兰色…..这种在白天而不在晚上拍夜景的方法就叫作：美国之夜。昼夜颠倒的世界一方面是电影再造的梦幻国度，另一方面却是辛苦尴尬的电影工作本身。影片中表现出一部电影拍摄过程中遇到的种种棘手的难题，演员之间错综复杂的关系，经费带来的压力以及拍摄时间的紧迫。
《日以继夜》是一部“关于电影的电影”，一部被西方影迷奉为“影迷必看的首选电影”。电影采用“戏中戏”的方法叙事，现在看来这种早就不是什么新鲜的值得称道的叙事手法，但剧中人与现实中人命运的交相辉映，还是会让观众感到阵阵内心的悸动。生活本身与电影，说不清谁比谁更加精彩，甚至很多时候他们原本就纠缠在一起。特吕弗，一个在电影滋养下长大的孩子，电影是其一生不离不弃的最好的爱人。在《日以继夜》中，他用这种趣味十足的方式来表达自己对电影的难以言喻的深厚感情。
电影中特吕弗亲自饰演导演本身一角，他对演员说 “电影的情景要比生活美好”，对特吕弗稍微了解的人都知道，他是一个对电影极端迷恋的人，《四百下》之中就布满了童年时期那些关于电影的温暖的记忆，而《日以继夜》中，我们又看到了他对那些温情脉脉的念念不忘——梦中的小男孩到电影院门口偷《公民凯恩》的剧照，选女演员时套用了希区柯克的口气，在电影拍摄期间，导演收到了一个邮包，特吕弗特地把镜头对准了那些书：奥逊·威尔斯，大卫·里恩，弗里兹·朗格，罗西里尼，雅克·里维特，戈达尔，希区柯克……
由于两重空间交错叙事，使得影片与特吕弗以往的片子略微不同——没有跌宕起伏的情节，没有层层推进高潮迭起的故事，但影片的细节铺陈十分到位，轻松好看，也许正是如此，才赢得了奥斯卡金像奖，也可能由于同样的原因使特吕弗失去了他的战友伙伴同为新浪潮电影导演的得戈达尔。
特吕弗VS戈达尔
两人同为《电影手册》的评论员，“新浪潮”电影的主将，曾经惺惺相惜而《日以继夜》上映之后两人公开决裂。戈达尔刻薄的称特吕弗为：“上午的商人，下午的诗人”。
两个人的决裂显得有些突如其来，因为1971年当戈达尔出车祸时，特吕弗还跑去医院探望他，即便是在《日以继夜》中特吕弗也公开向他致敬——《让－吕克·戈达尔》的小书出现的特写镜头中，除此之外特吕弗还不止一次地使用《蔑视》中的经典台词，旅馆女房东受不了剧组人员之间乱七八糟的男女关系，于是大呼小呵，而台词恰恰来自于《蔑视》：“这是什么电影啊？这到底是个什么行业？我蔑视你们，我蔑视电影！”
一方面戈达尔对特吕弗的创作倾向于好莱坞式的转变流露出不满，另一方面，似乎也在埋怨特吕弗的“不诚实”——在《日以继夜》中，只有特吕弗饰演的导演没有卷入什么桃色事件，而电影之外，特吕弗却实在与女主角产生了恋情。
曾经的亲密伙伴反目成仇，成了短暂“新浪潮”电影运动之中一道无法愈合的伤痛。

影史钩沉：

• [日以作夜]中扮演场记女孩乔莉的纳塔莉·贝伊说她第一次听到比利·怀德问特吕弗，[日以作夜]中他是不是真的用了个场记女孩来扮演场记女孩时，她觉得被冒犯了，因为当时她努力地想做个称职的演员，但是后来她意识到，这是对自己最好的赞美。 ​​​​
• [日以作夜]中，特吕弗扮演的导演弗朗与摄影师商量，要为朱莉·贝克寻找一幅剧照。于是有人提议从她有汽车追逐的电影里找。这部影片正是扮演贝克的杰奎琳·比塞特在1968年与史蒂夫·麦奎因主演的[警网铁金刚]，其中的最大亮点便是洛杉矶的追车戏。

（《看电影》杂志）

图书摘录：

特吕弗亲自饰演导演一角，他带着一组工作人员在法国尼斯拍摄一部古装文艺片《遇见帕米拉》，结果幕前幕后都发生了不少事件，让他好不容易才能将全片杀青。本片戏剧冲突不强，但枝叶和细节十分丰富，将拍电影的甘苦娓娓道来，娛乐趣味相当髙，并且可以让人感受到导演对电影工作的真挚感情。特吕弗还特意将戏中戏的剧情与演员们的日常生活巧妙结合起来，企图打破演员固有的思维方式，从而达到戏如人生、人生如戏的境界。片中导演有一句名言:“电影开拍前我雄心勃勃要拍一部传世杰作;拍到一半时，我只是希望能拍完就万事大吉了。”片名直译是“把白天当作黑夜”源于电影业的专业术语，指常见的在白天拍摄夜景(在镜头前加上滤光镜)。至于电影中的许多喜剧元素，则需要有一定电影史知识的观众方可理解，这些笑话中充满了电影工作者对电影艺术无比的尊重和热忱。特吕弗还在这部向电影礼赞的电影中向许多电影人作了致敬，如在片头便通过黑白剧照，表示将此片献给美国默片时代的两位女星桃洛丝·吉许和丽莉安·吉许。美国女星华伦天娜·歌蒂丝等人均有一流演出，她还因此获得奥斯卡最佳女配角（周黎明《西片碟中碟》）

《阿黛尔·雨果的故事》是由法国Les Films du Carrosse等公司出品，弗朗索瓦·特吕弗执导，伊莎贝尔·阿佳妮等人主演的一部剧情片。影片于1975年10月8日在法国上映。
该片主要讲述法国作家雨果的女儿阿黛尔·雨果用情至深，最终被爱的疯狂所毁灭的故事。

英文简介：

Adèle Hugo’s unrequited love for a lieutenant.
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阿黛尔・雨果不需要爱一个中尉
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获奖记录：

1975年美国国家评论协会奖最佳外语片奖、最佳女演员奖
1976年美国影评人协会奖最佳女演员奖
1976年纽约影评人协会奖最佳女演员奖

剧照欣赏：

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电影故事：

大文豪雨果的女儿阿黛尔为了用生命书写她所认为的不朽爱情，从欧洲追到了美洲大陆。可是她追逐的对象却是一个身世可疑、嗜赌成性、惯于玩弄女人的冒险家平松。阿黛尔费尽心机接近他，并用笔记录下来，幻想这伟大的爱情故事能流传于世。可她得到的却是平松的嘲弄与轻视。为了这段臆想的爱情，阿黛尔甚至和父亲反目。落魄的阿黛尔进了一间济贫院，衣衫褴褛，却仍着魔似的追随平松的消息，从一地到另一地。最终，80岁高龄的阿黛尔孤独地死于第一次世界大战的乱世之中。

权威点评：

《阿黛尔·雨果轶事》是一个真实的故事，一个关于人类心灵的“黑洞”、生存的荒诞的残忍喜剧。阿黛尔的悲剧源于她生为一个伟人的女儿、一个经典爱情悲剧女主角的妹妹，这两人的万丈光芒让她注定逃不出终将被阴影淹没的结局。特吕弗将阿黛尔的悲剧呈现为一个特定性格在特定时代中的悲剧，同时他以特定的电影语言将阿黛尔的故事呈现为一个历史中的故事。作为19世纪的故事，影片的全部视觉风格都是对那一时代主流艺术——经典油画的模拟与再现。同一的、非饱和色调的环境与服装设计，直射光、逆光与侧逆光的运用，大片阴影的加入，形成了强调细部层次的棕红色影调。影片中大量阿黛尔的特写和近景镜头都是一幅幅经典的肖像画。

经典台词：

千山万水，千山万水，去和你相会，这样的事情只有我能做到。

幕后花絮：

• 因为维克多·雨果的曾孙让·雨果担心该片如果出现描述维克多·雨果的情节，会影响其家族名誉，所以特吕弗向其保证不让维克多·雨果正面出现在影片中。
• 该片中，催眠士设计骗局，在观众中间安排一个自己人自称是加拿大皇家授予的警官。实际上这个职位的出现，至少要比影片故事背景1863年晚了十年的时间。

幕后制作：

影片来自于真实的故事。1850年在美国纽约，一个少妇向警察求助，她是雨果的女儿阿黛尔，因追随恋人出走而与家人失去联系。之前阿黛尔和一个英国中尉平松谈恋爱，平松随部队前往哈里法克斯，阿黛尔不顾家人反对，与平松一同前往。中尉由于违反部队规定而被就地开除，两人用阿黛尔的钱维持生活数年后分手。身无分文的阿黛尔被送回父亲身边，雨果先于阿黛尔去世。此后阿黛尔一直呆在精神病院，并始终一言不发。阿黛尔去世后留下了与人往来的书信及密码日记，在她的故事过去一个多世纪后，1968年，美国作家弗兰西丝·维尔诺·奎尔出版了她的传记。导演特吕弗读完了该传记，从而想到要拍一部以阿黛尔·雨果为主人公的影片。

媒体评价：

该片绝不是一部简单的爱情电影，阿黛尔追求自由爱情的行为固然令人感叹，但她作为一个女人的一生遭遇却更让人震动。阿黛尔追求的已经不是单纯的爱情了，其实在她心底深处，她反抗的是作为女人的一切压抑。（李宏宇评）
特吕弗成功塑造了女主角痴情和执迷不悔的个性，阿佳妮也将主人翁的神经质表现得生动传神。（范志毅，管小柳评）

该片主创人员的把握恰到好处，同时阿黛尔对虚幻情爱的偏执追求，隐秘地展示了人的一种无法直抒的需要：疯癫、虚幻与沉迷，使该片及阿黛尔的形象具有超凡脱俗的魅力。（张璟慧评）

影史钩沉：

1974年，特吕弗一眼相中19岁的伊莎贝尔·阿佳妮，并邀请她参演[阿黛尔·雨果的故事]。那时的阿佳妮刚进演艺圈，被特吕弗的名气吓退，于是婉言谢绝了邀请。特吕弗却不死心，连续写了数封热情洋溢的信件，对阿佳妮大佳夸赞，最终这些动听的话打动了羞涩的阿佳妮。 ​​​​（《看电影》杂志）

图书摘录：

阿佳妮主演的成名作，她在片中饰演的阿黛儿是法国大文豪雨果的女儿，为了一心一意追求浪漫和不妥协的爱情而极力逃避家族姓氏带来的巨大压力，独自远渡重洋到英国去寻找她迷恋的英国军人。但对方并没有重视她的痴情，她在接连的沉重打击下神经错乱，最后只落得在收容院里度过余生，下场令人唏嘘。特吕弗在执导这一部根据阿黛儿日记改编的爱情悲剧时，成功塑造了女主角痴情和执迷不悔的个性，阿佳妮也将主人翁的神经质表现得生动传神。（周黎明《西片碟中碟》）

《通往绞刑架的电梯》是Lux Compagnie Cinématographique发行的剧情片，由路易·马勒执导，让娜·莫罗、莫里斯·荣内特、乔吉斯·伯乔利出演，于1958年1月29日在法国上映。
该片讲述了巴黎大楼里一对奸夫谋杀亲夫后，在逃亡中被诬陷成杀害一对老夫妻的通缉犯的故事。

电影看点：

左岸派元老路易•马勒的长片处女作

获奖情况：

1957年路易•德吕克奖

英文简介：

A self-assured businessman murders his employer, the husband of his mistress, which unintentionally provokes an ill-fated chain of events.
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一个自信的商人谋杀了他的雇主，他的情妇的丈夫，这无意中引发了一系列命运多舛的事件。
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剧照欣赏：

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电影故事：

于连·塔韦尼耶与一名军火商的妻子弗洛朗斯·卡拉拉热恋。他们设计了一个滴水不漏的谋杀计划，以便除掉弗洛朗斯的丈夫西蒙。当于连在一只黑猫的注视下，用手枪打死军火商后，却因为电梯出故障而被困在电梯中。此时，两个少年偷了于连的汽车并在汽车旅馆杀死了一对德国夫妇。这下，于连成了汽车旅馆谋杀案的头号嫌疑犯。为了证明自己无罪，他只好被迫承认另一桩谋杀案……

权威点评：

影片是路易·马勒故事片处女作。同时也是评论界公认的、法国“新浪潮”电影运动的源头。本片获得了专门奖励创新精神的路易·德吕克奖。但马勒从未成为“新浪潮”的一员，他既不属于“电影手册”派，也不属于“左岸派”。他的创作生涯从一开始就分为两种不同的志趣—纪录片和故事片，而作者的观念也深深地渗透在这两种影片的制作过程中。马勒喜欢在他的影片中注入对爵士乐和文学的偏爱，本片中的爵士乐就营造出了一个现代的、冷漠的、失掉人性的巴黎。最有讽刺意味的是：影片中为情所困的这对情侣自始至终从未见面。影片中突发式的暴力，人在命运愚弄下的无能为力，爵士乐挽歌式的凄凉冷冽……创造出一个病态的、荒诞的、充满胁迫感的失衡世界。

幕后花絮：

• 饰演情侣的两个演员让娜·莫罗和莫里斯·荣内特在整部影片都没有一场对手戏。
• 在弗洛伦丝在街头游荡镜头中的配乐是爵士乐手迈尔斯·戴维斯为影片即兴演奏的。
• 这是马勒导演的第一部剧情片。

媒体评价：

《通往绞刑架的电梯》是一部情节设计精巧的犯罪电影，影片一开始就表现出整个犯罪的全过程，也没有设置悬念。而计算精准的罪行失败于一个不起眼的细节问题上，罪犯意外得被困在一架电梯里，本来天衣无缝的罪行，因为这个意外被整个改变了。又在这个意外之后发生了很多意外，设计奇巧的情节最终使得这对男女事发入狱。但片中这些巧妙的设计都没有被着重描写，而是一笔带过，导演真正花费笔墨的倒是大量几乎不带戏剧性的情绪段落。（网易报道评）。

这是一部带着黑色风格的犯罪片，带着浓重的美国黑色电影的痕迹。而导演的新潮观念和手法，使影片又显露出现代电影的“质感”。最重要的是影片显露出的爱情片本质，从故事上说确实是一部揭露罪行，所谓“天网恢恢”的影片。但观众却不觉两个人可憎可鄙，反而同情这一对“野鸳鸯”的爱情悲剧，这种反传统的剧情设计和道德倾向，是这部“新浪潮导火索”影片的一大特点（网易报道评）。

影史钩沉：

• 路易·马勒在拍摄[通往绞刑架的电梯](1958)中让娜·莫罗的特写镜头时，经常采用自然光，莫罗也时常处于素颜状态。莫罗是法国电影的标志性人物，以前从未像彼时那般暴露在镜头之下。据报道，剧组的技术人员都对她的拍摄要求感到震惊，甚至拒绝拍摄这部电影。因为，一旦他们开始作业，导演马勒一定就要捕捉到莫罗运动中的每个细微差别。
• 路易·马勒在[通往绞刑架的电梯]中，拍摄女主角让娜·莫罗时用了特写镜头和自然光，而且，还不让她化妆。莫罗一度被镜头中过于真实的自己震惊，对影片十分排斥。但后来的成片表明，这种实验性的拍法，反而更突显了她的演技。 ​​​​

（《看电影》杂志）

图书摘录：

一男一女联手策划谋杀女方的丈夫，但是，天衣无缝的计划不可避免地出现麻烦。
与美国同类电影不一样的是本片所具有的新浪潮电影质地，用反道德的眼光来看待这对黑色鸳莺，让观众对他们的行动产生同情，从而转移道德罪恶感。这种手法有明显的希区柯克痕迹，女主角莫罗也凭本片和她稍后的作品《孽恋》成名。爵土乐大师迈尔斯·戴维斯为影片创作了即兴音乐的配乐（周黎明《西片碟中碟》）

《沙滩上的宝莲》是一部由埃里克·侯麦执导，Amanda Langlet、阿丽尔·朵巴丝勒、费奥多尔·阿特金、帕斯卡·格里高利主演的爱情片，于1983年3月23日上映。
该片讲述15岁少女宝莲跟表姐共度暑假，发现她那性感又自信的表姐如何喜新厌旧，口是心非的故事。

获奖情况：

第33届柏林国际电影节 金熊奖 最佳影片(提名) 埃里克·侯麦
第33届柏林国际电影节 银熊奖 最佳导演 埃里克·侯麦
第33届柏林国际电影节 费比西奖（国际影评人联盟奖） 竞赛单元最佳影片 埃里克·侯麦

英文简介：

Marion is about to divorce from her husband and takes her 15-year-old niece Pauline on a vacation to Granville. She meets an old love…
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玛丽安即将和丈夫离婚，带着15岁的侄女波琳去格兰维尔度假。她遇到了一个旧爱…
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剧照欣赏：

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媒体评价：

《沙滩上的宝莲》是一部故事平和，画面充满质感的电影，埃里克·侯麦在其中将镜头对准了闲适的小资产阶级的情感世界和道德困境，镜头自然而简约，遒劲而老辣，小布尔乔亚式的小资情调的铺排、主人公爱情观的交锋以及喋喋不休的争论精彩演绎了侯麦的电影叙事路径。影片一开始就展现了一幅生活风情画，让人不禁忘情于这潺潺的田园诗意之中。接下来的画面则将电影中出现的各色人物有效地串联了起来，又阐释并推动着情节的发展。导演不仅将目光聚焦于青年男女的爱情纠葛，还将尚未成年的宝莲添置到了故事中，力图用一个小女孩的眼光审视成人爱情世界里的各种谎言、欺骗、背叛与真相。长篇累牍的对话是电影最为重要的表意手段，玛丽恩、亨利、皮埃尔、宝莲四个主角间的对话向观众展示了他们的爱情观与道德观。这些对话充满张力与思辨，对人物的心理轨迹做了最为精致的雕琢和最为酣畅淋漓的呈现，展现了人物的所思所想，细腻地刻画了每个人物的性格，让观众了解了每个人的前世今生，对推动情节的发展起了极其关键的作用。而剧中的关键人物宝莲则与剧中每一个重要人物都有单独的会话，藉此以全景观的视角审视着发生在她周围的一幕幕爱情悲喜剧，侯麦通过她展开对人性的省查和对爱情伦理的拷问。总的来说，作为“喜剧与谚语”系列重要的一员，该片很好地延续了侯麦一以贯之的风格，具有弥久的艺术魅力（《今传媒》评） 。

《沙滩上的宝莲》用简练的摄影手法准确地表现了人物情感暇昧、 细腻的状态，片中成人世界的情感游戏和少年男女的情感世界构成了一种意味深长的对照，并造成了相互的深刻影响（《电影评介》评）。

图书摘录：

侯麦《喜剧和谚语系列》的第三部，依然将镜头对准道德规范及处世态度。15岁少女宝琳跟表姐共度暑假，发现她那性感又自信的表姐如何喜新厌旧，口是心非。影片将少女的纯真跟成人世界的虚伪两相比照，风趣而辛辣，依然有侯麦一向机智风趣的对白，以一个涉世未深的女孩来看待成人世界充斥的性生活和虚假的感情，并用她的真诚对比其表姐的虚伪和私欲。（周黎明《西片碟中碟》）

《我的美国舅舅》是由法国TF1影业、Andrea影业联合制作的125分钟剧情影片。该片由阿伦·雷乃执导，杰拉尔·德帕迪约、尼科尔·加西亚、皮埃尔·阿迪提等主演。于1980年5月21日在法国上映。
该片讲述了出生于20世纪20年代、30年代和40年代的三个中产阶级角色如何应付犹如迷宫般的各种压力的故事。

获奖情况：

第53届奥斯卡金像奖 最佳原创剧本(提名) 让·格吕约尔
第33届戛纳电影节 主竞赛单元 金棕榈奖(提名) 阿伦·雷乃
第33届戛纳电影节 主竞赛单元 评审团大奖 阿伦·雷乃
第33届戛纳电影节 费比西奖 阿伦·雷乃
第37届威尼斯电影节 意大利演艺协会奖

英文简介：

The intersecting stories of three people who face difficult choices in life-changing situations are used to illustrate the theories espoused by Henri Laborit about human behavior and the relationship between the self and society.
[toggle title=谷歌翻译，仅供参考]
本文以三个在生活变化中面临艰难抉择的人的交叉故事为例，阐述了亨利·拉博伊特关于人类行为和自我与社会关系的理论。
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幕后制作：

片名“我的美国舅舅”，是片中三个人物经常提及的一个词语，像是戏剧《等待戈多》的题辞。

媒体评价：

《我的美国舅舅》中阿伦·雷乃对摄影机的运用好似显微镜一般，将三个主角不堪承受压力的交互作用检视得一览无余。那三个人各自与家人分道扬镰，远走高飞闯天下，结果不但与社会奋力抗争，甚至得和自己的情绪煎熬格斗，到头来不是陷入万劫不复的僵局，就是来次孤注一掷的冒险。影片试图用生物学观点来解释人的行为。让患肾脏病，哈格努则患溃疡，只有雅尼娜在遭到挫折后能适应，取得了心灵上的平衡，因而她的身体得以保持健康。
《我的美国舅舅》是阿伦·雷乃所有作品中最不抽象而最容易领会的一部，不过依然学术味十足。但该片对人们了解西方人意识的迷惘与混乱是有一定启发的。（《电影评介》评）

影片是以行为科学家关于社会学和生物学的理论为核心，而这个理论所表达的内容就是说人类的一切行为都可以在他们的脑中得到反映和依据。为了更好的表现出想要表达的内容，片中的画面跳跃感很强，在叙述三人故事的画面间还经常插入科学家关于生物学的老鼠实验过程，从而使影片有着浓厚的学术意味。（新浪娱乐评）

图书摘录：

描写三个中产阶级角色(庄园经理、女演员和媒体主管)如何应付迷宫般的各种压力。影片的第四个角色是一个行为科学家，他对于生物及感情引导的阐述似乎由另外三人得以体现。影片如同一个谜语，让人思索人生的重大命题。影片以行为科学家关于社会学和生物学的理论为核心，这个理论就是说人类的一切行为都可以在他们的脑中得到反映和依据。三个角色的故事其实都是这一理论的发挥。影片的画面跳跃感很强，在叙述三人故事的画面间经常插入科学家关于生物学的老鼠实验过程，使影片有浓厚的学术意味，一般观众会难以接受。影片夺得1980年戛纳影展的评审团大奖。（周黎明《西片碟中碟》）